CARMEN, A GRANDE PEQUENA NOTÁVEL

Depois de uma longa e bem-sucedida temporada no Centro Cultural Banco do Brasil, o musical Carmen, a Grande Pequena Notável, com direção de Kleber Montanheiro, reestreia no Teatro Itália, no dia 23 de março. O espetáculo é inspirado no livro homônimo de Heloísa Seixas e Julia Romeu, vencedor do Prêmio FNLIJ de Melhor Livro de Não Ficção (2015), e apresenta o universo artístico da diva Carmen Miranda (1909-1955) para o público de todas as idades.

O espetáculo está indicado ao Prêmio São Paulo para crianças e jovens de melhor figurino (Kleber Montanheiro), melhor texto adaptado (Heloisa Seixas e Julia Romeu), melhor direção musical (Ricardo Severo) e melhor atriz (Amanda Acosta).

Em 2019, Carmen completaria 110 anos. Portuguesa radicada no Brasil, ela se tornou um dos maiores símbolos da cultura brasileira para todo o mundo. Quem dá vida à diva é a atriz Amanda Acosta, que divide o palco com Daniela Cury, Luciana Ramanzini, Maria Bia, Samuel de Assis e Fabiano Augusto. Os músicos Maurício Maas, Betinho Sodré, Monique Salustiano e Marco França também estão em cena.

Para contar essa história, o espetáculo adota a estrutura, a estética e as convenções do Teatro de Revista Brasileiro, grande destaque na época, no qual Carmen Miranda também se destacou. “Utilizamos a divisão em quadros, o reconhecimento imediato de tipos brasileiros e a musicalidade presente, colaborando diretamente com o texto falado, não como um apêndice musical, mas sim como dramaturgia cantada”, explica o diretor Kleber Montanheiro.

Esse tradicional gênero popular faz parte da identidade cultural brasileira, mas, recentemente, está em processo de desaparecimento da cena teatral por falta de conhecimento, preconceito artístico e valorização de formas americanizadas e/ou industrializadas de musicais.

A encenação tem a proposta de preservar a memória sobre a pequena notável, como a cantora era conhecida, e a época em que ela fez sucesso tanto no Brasil como nos Estados Unidos, entre os anos de 1930 e 1950. Por isso, os figurinos da protagonista são inspirados nos desenhos originais das roupas usadas por Carmen Miranda; já as vestes dos demais personagens são baseadas na moda dessas décadas.

As interpretações dos atores obedecerão a prosódia de uma época, influenciada diretamente pelo modo de falar ‘aportuguesado’, o maneirismo de cantar proveniente do rádio, onde as emissões vocais traduzem um período e uma identidade específica”, revela Montanheiro.

A cenografia reproduz os principais ambientes propostos pelo livro. Esses espaços físicos são o porto do Rio de Janeiro, onde Carmen desembarca criança com seus pais; sua casa e as ruas da Cidade Maravilhosa; a loja de chapéus, onde Carmen trabalhou; o estúdio de rádio; os estúdios de Hollywood e as telas de cinema; e o céu, onde ela foi cantar em 5 de agosto de 1955. Cada cenário traz ao fundo uma palavra composta com as letras do nome da cantora em formatos grandes. Por exemplo, a palavra MAR aparece no porto, e MÃE, na casa dos pais da cantora.

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Carmen – A Grande Pequena Notável 

Com Amanda Acosta, Daniela Cury, Luciana Ramanzini, Maria Bia, Samuel de Assis e Fabiano Augusto, Maurício Maas, Betinho Sodré, Monique Salustiano e Marco França.

Teatro Itália – Sala Drogaria SP – Edifício Itália (Avenida Ipiranga, 344 – República, São Paulo)

Duração 70 minutos

23/03 até 28/04

Sábado e Domingo – 15h

$60

Classificação Livre

MOSTRA CENA SUL 2019

Criar um panorama do teatro autoral produzido nos três estados da região Sul do Brasil é a proposta da primeira edição da mostra Cena Sul, iniciativa do Sesc Belenzinho que reúne cinco peças entre os dias 15 de março e 14 de abril, com sessões de sexta a domingo. Os ingressos custam até R$20 (com venda limitada a 4 ingressos por pessoa).

A catarinense Cia. La Vaca, que comemora 10 anos de carreira, abre a mostra com o espetáculo “Ilusões” (15 a 17/3), inspirado em texto do dramaturgo russo Ivan Viripaev, representante do movimento chamado de Novo Drama Russo. Dirigido por Fabio Salvatti, a peça propõe uma reflexão sobre os mitos a respeito do amor, das relações e da permanência, do envelhecimento e da lealdade a partir do relacionamento de dois velhos casais. Viripaev traz para a cena uma epicidade que não se confunde com o projeto político de Bertolt Brecht e nem com a oralidade dos contadores de histórias. Há uma desdramatização do material cênico, de forma que não há clareza sobre qual é a relação estabelecida entre os personagens e os atores que contam suas histórias.

Outra atração é “Fábrica de Calcinha” (22 a 24/3), com direção da gaúcha Marina Mendo, que surge da paisagem sonora das ruas do centro de Porto Alegre, onde vozes femininas gritam “Fábrica de Calcinha! Fábrica de Calcinha é no quinto andar! Calcinha a R$1,50!”. Esse grito mostra a expressão da mulher brasileira atual, perfurando estereótipos, exaltando seu lugar de fala e resistência a tantas formas de violência.

Trazido da cidade de Montenegro, também no Rio Grande do Sul, o Coletivo Errática encena “Ramal 340: Sobre a migração das sardinhas ou porque as pessoas simplesmente vão embora” (29 a 31/3). Dirigida por Jezebel De Carli, que narra seis histórias de pessoas espalhadas em diferentes tempos e espaços e conectadas por meio do movimento, do desejo, da falta ou da completa incompreensão sobre a própria experiência. A peça cria uma reflexão sobre um mundo no qual lugares, lados e identidades estão em constante movimento de construção-reconstrução.

Essas figuras são: um homem que espera pelo pai na plataforma da estação de trem; outro que arruma as malas enquanto sua companheira desarruma; um sujeito que caminha sem parar atrás da filha; um indivíduo que foge atormentado por uma imagem de 30 anos; uma mulher que não dorme por causa de um sonho; e uma mulher que segue para outro lado do mundo em busca de alguém que lhe escreveu uma carta.

Outra peça gaúcha da mostra é “A Fome” (5 a 7/4), da Cia. Espaço Em Branco, um solo dirigido por João de Ricardo e atuado por Sissi Betina Venturin. Entre revelações pouco palatáveis e a exposição de uma fome voraz pela vida, uma mulher sem nome incorpora circunstâncias míticas e críticas sobre o feminino a partir de uma performance-limite entre o ritual e o cyber. O monólogo cria reflexões sobre relações amorosas e sociais atordoantes.

Para encerrar a mostra, a paranaense Cia. Transitória apresenta “Macumba: Uma Gira Sobre Poder” (12 a 14/4), escrito e dirigido por Fernanda Júlia. Com um elenco formado apenas por atores negros, a encenação é uma provocação sobre o que é o poder e como obtê-lo. É um espaço celebrativo e revelador de “afrografamento”. São peles escuramente acesas e memórias negras que precisam ser vistas na cena e fora dela.

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Confira abaixo a programação completa da mostra Cena Sul 2019:

Ilusões, da Cia. La Vaca (Santa Catarina)

Sinopse: Inspirada em texto do dramaturgo russo Ivan Viripaev, a peça comemora os 10 anos de trajetória da Cia. La Vaca. Ao narrar o relacionamento de dois velhos casais, o autor do chamado Novo Drama Russo compõe uma reflexão aberta sobre os mitos a respeito do amor, relacionamentos e permanência. Afinal, será que o amor é mais do que uma complexa rede de histórias que contamos a nós mesmos e aos outros?

Quando: 15, 16 e 17 de março. Sexta, sábado e domingo, às 21h30.
Local: Sala de Espetáculos I
Classificação etária: 12 anos
Duração: 90 minutos
Venda de ingressos já disponível pelo portal Sesc SP (www.sescsp.org.br) e nas bilheterias das unidades do Sesc. Limite de 4 ingressos por pessoa

Fábrica de Calcinha, com direção de Marina Mendo (Rio Grande do Sul)

Sinopse: A peça destaca a paisagem sonora de Porto Alegre. Interpretar um dos mais memoráveis gritos de venda das ruas da capital gaúcha, “Fábrica de Calcinha! Fábrica de Calcinha é no quinto andar! Calcinha a R$1,50!”, revela a expressão da mulher brasileira contemporânea. Essas palavras são um signo desta paisagem sonora rica em afetividade e força. Dentre as camadas da realidade urbana que o trabalho revela está a expressão da mulher no Brasil contemporâneo, perfurando estereótipos, exaltando seu lugar de fala e resistência a tantas formas de violência.

Quando: 22, 23 e 24 de março. Sexta e sábado, às 21h30; e domingo, às 18h30.
Local: Sala de Espetáculos I.
Classificação etária: 18 anos.
Duração: 45 minutos.
Venda de ingressos disponível a partir de 12 de março, às 12h, pelo portal Sesc SP (www.sescsp.org.br) e nas bilheterias das unidades do Sesc a partir de 13 de março,  às 17h30. Limite de 4 ingressos por pessoa.

Ramal 340: Sobre a Migração das Sardinhas ou Porque as Pessoas Simplesmente Vão Embora, do Coletivo Errática (Rio Grande do Sul)

Sinopse: O espetáculo trama seis histórias envolvendo pessoas espalhadas no espaço e tempo, todas ligadas por meio do movimento, desejo, falta ou simplesmente pela completa incompreensão sobre a própria experiência. Um homem espera pelo pai na plataforma da estação de trem, outro arruma as malas enquanto sua companheira as desarruma, outra mulher não dorme por causa de um sonho, e ainda, uma mulher segue para outro lado do mundo em busca de alguém que lhe escreveu uma carta. Estas ações acontecem enquanto um homem caminha sem parar atrás da filha e outro foge atormentado por uma imagem de trinta anos atrás.

Quando: 29, 30 e 31 de março. Sexta e sábado, às 21h30; e domingo, às 18h30.
Local: Sala de Espetáculos I.
Classificação etária: 18 anos.
Duração: 80 minutos.
Venda de ingressos disponível a partir de 19 de março, às 12h, pelo portal Sesc SP (www.sescsp.org.br) e nas bilheterias das unidades do Sesc a partir de 20 de março, às 17h30. Limite de 4 ingressos por pessoa.

A Fome, da Cia. Espaço em Branco (Rio Grande do Sul)

Sinopse: Entre revelações pouco palatáveis e a exposição de uma fome voraz pela vida, a peça incorpora circunstâncias míticas e críticas sobre o feminino em uma performance-limite entre o ritual e o cyber. É o dia derradeiro, um rito de passagem que necessita ser concluído, custe o que custar. Refletindo sobre relações amorosas e sociais atordoantes, uma mulher sem nome nem espaço se dilata guiada por uma chama primitiva e implacável. Pelos dentes irá descobrir a forma mais intensa de consumir o amor, o outro e sua sombra.

Quando: 5, 6 e 7 de abril. Sexta e sábado, às 21h30; e domingo, às 18h30.
Local: Sala de Espetáculos I.
Classificação etária: 18 anos.
Duração: 90 minutos.
Venda de ingressos disponível a partir de 26 de março, às 12h, pelo portal Sesc SP (www.sescsp.org.br) e nas bilheterias das unidades do Sesc a partir de 27 de março, às 17h30. Limite de 4 ingressos por pessoa.

Macumba: Uma Gira Sobre Poder, da Cia. Transitória (Paraná)

Sinopse: Por meio de um espetáculo afrografado e afro centrado, a Companhia Transitória convida a todas e todos para uma reflexão e uma provocação: o que é poder?  Como se tem poder? É um espaço de afrografamento de poéticas cênicas e de discurso artístico, um espetáculo celebrativo e revelador. Peles escuramente acesas e memórias negras que precisam se ver e serem vistas na cena e fora dela.

Quando: 12, 13 e 14 de abril. Sexta e sábado, às 21h30; e domingo, às 18h30.
Local: Sala de Espetáculos I.
Classificação etária: 12 anos.
Duração: 75 minutos.

Venda de ingressos disponível a partir de 2 de abril, às 12h, pelo portal Sesc SP (www.sescsp.org.br) e nas bilheterias das unidades do Sesc a partir de 3 de abril, às 17h30. Limite de 4 ingressos por pessoa.

VIDAS MEDÍOCRES OU ALMAS LÍRICAS

Com temporada no Teatro Pequeno Ato de 6 de abril a 26 de maio, a Companhia Alvorada, que brindou o público em 2018 com o espetáculo “É Samba na Veia, é Candeia” – sucesso de público e crítica – prepara-se para voltar aos palcos com uma nova montagem. Com a peça “Vidas Medíocres ou Almas Líricas” o grupo apresentará uma mescla de cenas de quatro textos principais do dramaturgo russo Anton Tcheckhov, além de trechos de cartas e contos do autor.

Para o diretor da companhia, Leonardo Karasek, a escolha por Tcheckov se dá por reconhecer em sua obra questões universais e contemporâneas, que, embora escritas originalmente há cerca de 120 anos, remetem a conflitos entre forma e conteúdo, passado e futuro, vida e morte e destino e tristeza. O autor russo, na opinião de Karasek, mantém uma fábula em seu enredo, no qual a unidade de tempo e espaço persiste e o diálogo oscila entre a relação dramática e a simples reflexão do mundo concreto e de um mundo de elucubrações.

Na obra de Tchekhov, seus diálogos dizem pouco. A eloquência está nos solilóquios, chamados por Peter Szondi, em “Teoria do Drama Moderno”, de “lírica da solidão”, na qual existe uma liberdade nos silêncios, pausas e descontinuidade de tempo e espaço”, afirma o diretor.

Mas, e o samba? Segundo Karasek, o genuíno ritmo brasileiro está presente em sua segunda montagem de forma orgânica. Nada foi planejado. No decorrer da construção do texto, os sambas surgiam em sua mente. Letras e melodias que falavam do destino, da melancolia e da natureza da vida. “Afinal, seria a tristeza a essência primária da alma lírica humana?”, induz o diretor à reflexão.

Com esses questionamentos em mente deu-se início a carpintaria cênica e a criação da identidade visual da peça, que também teve inspiração em outro russo, o diretor de cinema Andrei Tarkovsky, vencedor do Prêmio Especial do Júri do Festival de Cinema de Cannes em 1980, com o filme “Stalker”, de 1979.

Neste novo espetáculo, o público irá se deparar com esses espectros, esses fragmentos, objetos abandonados, musgo, poeira, ferrugem, fotografias gastas pelo tempo… Signos que remetem à perenidade e à atemporalidade”, adianta o diretor.

Em relação às provocações que a peça levará ao palco, Karasek exemplifica. “Se o personagem Pétia, de ‘O Jardim das Cerejeiras’, realça que tudo que acontece neste mundo terreno ‘não passa de gesticulação’, de uma espécie de entretempo entre o nascimento e a morte onde criamos expectativas, frustrações, desejos, alegrias e rancores em relação à vida, por outro lado nós amamos, odiamos, casamos, trabalhamos, viajamos, fazemos arte, filosofamos. Nesse contexto, a pergunta central desta produção é: será que isso tudo vale a pena? Será que isso tudo tem algum sentido? Esses espectros passam a sentir necessidade de dialogar e não importa, esta é a nossa única vida e seguimos nela”, complementa.

Ainda de acordo com o diretor, a poética desta encenação reside na enfatização do eu lírico e o eu dramático. O homem social e o homem subjetivo. A partir disso, abrem-se caminhos para se refletir sobre a solidão, este sentimento que ronda a humanidade como uma sombra e é tema recorrente numa época de ilusões e idealismos desfeitos.

Por sua vez, a atriz e produtora executiva da peça, Rita Teles, afirma que o ponto fundamental de “Vidas Medíocres ou Almas Líricas” reside no equilíbrio da provocação do texto de Tchekhov com a genialidade lírica da poética de sambas de autores como Cartola, Paulinho da Viola, Manacéa da Portela e Nelson Cavaquinho. “Teremos até uma polca do Jacob do Bandolim”, diz.

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Vidas Medíocres ou Almas Líricas

Com Rita Teles, Aloysio Letra, César Figueiredo Cantão, Vanise Carneiro e Flávio Gerab

Teatro Pequeno Ato (Rua Dr. Teodoro Baima, 78 – Vila Buarque, São Paulo)

Duração 70 minutos

06/04 até 26/05

Sábado – 21h, Domingo – 19h

$40

Classificação: 12 anos

COLE PORTER – ELE NUNCA DISSE QUE ME AMAVA

O musical Cole Porter – Ele Nunca Disse Que me Amava estreou em 2000 para uma curta temporada, e se tornou um marco na carreira da dupla Charles Möeller & Claudio Botelho. O espetáculo teve dez meses de lotação esgotada no Café Teatro de Arena (RJ), e permaneceu por quatro anos em cartaz, entre diversas temporadas no Rio, São Paulo e Portugal.

Agora em 2019, quase 20 anos depois, a dupla Möeller & Botelho, atendendo a muitos pedidos, remonta o musical com algumas modificações.  Cole Porter – Ele Nunca Disse Que me Amava estreia dia 15 de março no Theatro Net Rio. A temporada vai até 28 de abril, com sessões às sextas às 20h, sábados às 21h e domingos, às 17h.

No elenco da atual montagem estarão três atrizes que participaram do espetáculo original: Alessandra VerneyGottsha Stella Maria Rodrigues. Elas dividirão a cena com as atrizes Malu RodriguesAnalu Pimenta e Bel Lima.

Estamos 20 anos mais maduros como artistas e temos hoje mais conhecimento da obra de Cole Porter. Por isso, apesar de ser uma remontagem, será um novo espetáculo, com a inserção de canções e texto. É uma nova visão, mas manterá o nosso mesmo amor por Cole Porter“, revela Claudio Botelho.

Revisitei o texto, afinal eu tinha 32 anos na época“, comenta Charles Möeller. “Hoje, passados 20 anos, tudo mudou. A discografia de Cole Porter está inteiramente disponível na Internet, o que não existia naquela época. Além disso temos hoje disponíveis imagens raras de Porter, um universo de documentários, entrevistas inteiras, ou seja, muito mais material do que tínhamos há 20 anos“, diz o diretor ressaltando que manterá a estrutura do espetáculo, com as mesmas personagens, mas com essa riqueza de dados que a Internet possibilitou.

No espetáculo, são interpretadas mais de 30 canções que pontuam sua trajetória. Não há uma preocupação cronológica na apresentação dessas canções, elas estão entrelaçadas a partir do contexto da ação teatral.  Além de sucessos, indispensáveis aos fãs do artista, como Night and DaySo in LoveI Get a Kick out of YouEverytime We Say GoodbyeI´ve Got You Under My Skin,Love for Sale Let´s Do It, o público conhecerá algumas composições não tão famosas, praticamente inéditas no território nacional.

O ESPETÁCULO

Cole Porter – Ele Nunca Disse Que Me Amava é um espetáculo original da dupla Möeller & Botelho sobre a vida e obra de um dos maiores artistas de todos os tempos: o compositor norte-americano Cole Porter (1891-1964).

A ideia de montar um espetáculo baseado na vida de Cole Porter nasceu depois que Charles Möeller e Claudio Botelho assistiram a uma montagem de Kiss me Kate na Broadway. “Saímos extasiados. Era a primeira vez que víamos um Cole Porter na Broadway. A primeira vez que o encontrávamos no seu veículo original, o teatro. E isto nos incendiou de tal forma que, no restaurante, minutos depois do espetáculo, já falávamos do ‘nosso’ Cole Porter, aquele que ‘tínhamos’ que fazer no Brasil o mais urgente possível “, disse Charles Möeller.

A montagem brasileira foi considerada o primeiro divisor de águas na carreira da dupla. E foi o momento perfeito para Claudio ter a ideia de criar a chancela: Um espetáculo de Charles Möeller & Claudio Botelho.

SINOPSE

O musical de Charles Möeller & Claudio Botelho, apresenta a vida e obra do compositor americano Cole Porter (1891-1964) pela ótica feminina. Seis atrizes, representado mulheres importantes na vida do artista, narram sua história e revelam a personalidade dúbia e contraditória, bem como o fascínio e o repúdio que Porter causava.

O espetáculo é uma celebração do talento e da genialidade de um dos maiores compositores do mundo. Repleto de picardia, bem típica da personalidade de Cole, a comédia musical extrai este fino humor da extravagância, dos bons e dos maus costumes dos chamados “anos loucos”.

A história é contada sob o ponto de vista das mulheres que o acompanharam e marcaram sua vida. São elas: Linda Porter, esposa de Cole, com quem foi casado muitos anos; Kate Porter, a mãe de Cole, rica e obsessiva para tornar o filho um astro; Elsa Maxwell, uma famosa colunista de fofocas e amiga indispensável de Cole Porter, que deu visibilidade ao compositor dentro da elite; Ethel Merman, a primeira grande diva da Broadway e preferida de Cole; Bessie Marbury, a agente do compositor; e por fim, Angélica, personagem fictícia.

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Cole Porter – Ele Nunca Me Disse Que Me Amava

Com Alessandra Verney, Analu Pimenta, Bel Lima, Gottsha, Malu Rodrigues e Stella Maria Rodrigues

Theatro Net Rio (Rua Siqueira Campos 143, Copacabana – Rio de Janeiro)

Duração 100 minutos

15/03 até 28/04

Sexta – 20h, Sábado – 21h, Domingo – 17h

$50/$180

Classificação 12 anos

 

CONDOMÍNIO VISNIEC

Considerado um dos principais representantes contemporâneos do Teatro do Absurdo, o dramaturgo romeno Matéi Visniec tem seis de seus monólogos visitados pelo espetáculo Condomínio Visniec, com direção de Clara Carvalho, que estreia no dia 15 de março no Sesc Ipiranga e segue em temporada até 7 de abril. O elenco é composto por Ana Clara FischerFelipe SouzaMônica RossettoRafael LeveckiRogério Pércore e Suzana Muniz.

A encenação é resultado de um processo de pesquisa sobre a obra do autor romeno, desenvolvido por Clara Carvalho desde 2015 numa oficina de atores profissionais do Grupo TAPA. Esse núcleo de pesquisa também foi responsável pela criação da peça Máquina Tchekhov, que estreou em 2015 no Instituto Cultural Capobianco e foi indicada aos prêmios APCA, Shell e Aplauso Brasil.

A montagem é inspirada em seis monólogos de Visniec – O Corredor, O Homem do Cavalo, O Adestrador, O Homem da Maçã, A Louca Tranquila e O Comedor de Carne – reunidos na coletânea de peças O Teatro Decomposto ou O Homem – Lixo. Todos esses personagens de contornos surrealistas que dão nome aos solos são criados na encenação pela figura de uma escritora que escreve compulsivamente. “A figura da escritora surgiu a partir de um dos personagens da coletânea, “O Corredor”. Na trama, é como se ela criasse essas figuras e, ao mesmo tempo, as criaturas também a recriassem”, explica Clara Carvalho.

A partir de um mergulho no conflito interno dessa escritora, surgem em cena criaturas híbridas (meio humanas, meio animais), que povoam a imaginação da autora, gerando esse condomínio. Elas trazem à tona a solidão, os desejos, as angústias, as obsessões, os impulsos predatórios e a busca por uma possível redenção.

A peça é uma meditação poética sobre a condição humana e a possibilidade de superação dos nossos conflitos, para que possamos derrubar os muros que nos dividem e caminhar em direção a uma sociedade menos predadora, devoradora, agressiva e solitária. A história desemboca em um amanhecer de frente para o mar, depois de uma travessia cheia de paisagens internas turbulentas. Mas esse universo sombrio se dissipa, aponta para a esperança. Visniec é um autor sempre bem-humorado e delicado que tenta abraçar a humanidade e tem enorme compaixão. É o que sempre me encantou na obra dele”, acrescenta a diretora.

Com atmosfera onírica e surrealista, a encenação adota como referências visuais os quadros de alguns pintores, como o expressionista Edvard Munch (1863-1944) e o surrealista belga René Magritte (1898-1967). Além disso, a trilha sonora delicada, criada por Mau Machado especialmente para a peça, tem inspiração na obra do compositor estoniano Arvo Pärt (1935). Os figurinos de Marichilene Artisevskis remetem aos anos de 1950 e também fazem alusão ao universo dos pintores mencionados.

Já o cenário minimalista é composto apenas por uma mesa e cinco cadeiras, que ganham diferentes significados ao longo da encenação. A iluminação, feita por Vagner Pinto, é responsável por criar essas atmosferas oníricas que representam o universo interno de cada personagem.

O espetáculo foi contemplado com o edital ProAc nº 01/2018 para Produção de Espetáculo Inédito e Temporada de Teatro.

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Condomínio Visniec

Com Ana Clara FischerFelipe SouzaMônica RossettoRafael LeveckiRogério PércoreSuzana Muniz

Sesc Ipiranga (R. Bom Pastor, 822 – Ipiranga, São Paulo)

Duração 55 minutos

15/03 até 07/04

Quinta e Sexta – 21h30, Sábado – 19h30, Domingo – 18h30

$20 ($6 – credencial plena)

Classificação 14 anos