LEMBRO TODO DIA DE VOCÊ

O musical “Lembro Todo Dia de Você“, um musical autoral e inédito do Núcleo Experimental.

O espetáculo acompanha Thiago em sua jornada de busca por respostas e autoconhecimento fazendo um retrato realista e contemporâneo de um assunto delicado, mas necessário.

Leia nossa Opinião em https://goo.gl/xiOqBG

 

 

Lembro Todo Dia de Você. Estreia dia 18 de maio, quinta-feira, às 20h, no CCBB São Paulo (Rua Álvares Penteado, 112 – Centro – São Paulo) Temporada: Sextas, sábados e segundas, às 20h, e domingos, às 19h. Até 26 de junho. Ingressos: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia). Capacidade: 140 lugares. Classificação Indicativa: 16 anos. Duração: 100 minutos.

DOROTÉIA

Para comemorar seus 60 anos de carreira, Rosamaria Murtinho interpreta a protagonista e vilã Dona Flávia na peça Dorotéia. Encabeçando o elenco de mais dez atores, Rosamaria e Letícia Spiller, interpretando Dorotéia, encenam pela primeira vez um Nelson Rodrigues nessa montagem que tem direção e encenação de Jorge Farjalla, mantendo e ampliando o diálogo com questões contemporâneas.

A montagem, onde o sagrado e o profano caminham juntos, estreou em fevereiro de 2016 no Rio de Janeiro e realizou 4 temporadas na cidade sempre com casa lotada. Excursionou também por Uberlândia, Araxá, Maceió, Recife, Fortaleza e Salvador com grande sucesso de público e crítica.

Escrita em 1949, Dorotéia fecha o ciclo das obras do teatro desagradável de Nelson Rodrigues, intitulado pelo crítico Sábato Magaldi como “peças míticas” sendo a única farsa escrita pelo autor. O texto é uma ode à beleza da mulher onde a heroína, título da obra, segue em busca da destruição de sua própria beleza para se igualar a feiura de suas primas Dona Flávia, Maura e Carmelita.

Matriarca da família, Dona Flávia recebe Dorotéia, ex-prostituta que largou a profissão após a morte do filho e vai buscar abrigo na casa de suas primas, onde vivem também Maura e Carmelita, num espaço sem quartos e onde há 20 não entram homens. Três viúvas puritanas e feias que não dormem para não sonhar e, portanto, condenadas à desumanização e à negação do corpo, dos sentimentos e da sexualidade. Arrependida, Dorotéia procura abrigo na sua família e é, em alguns momentos, questionada por Dona Flávia, a prima mais velha, que, mesmo com sua raiva, implicância e orgulho, faz de tudo para removê-la da ideia, às vezes com uma nesga de afeto, de fragilidade e disfarçados gestos de acolhimento, mas contando que ela aceite as condições de viver naquela casa. Dorotéia, linda e amorosa, nega o destino e entrega-se aos prazeres sexuais. Este é seu crime, e por ele pagará com a vida do filho e buscando a sua remissão. Na história desta família de mulheres, o drama se inicia com o pecado da avó que amou um homem e casou-se com outro. É neste momento que recai sobre todas as gerações de mulheres da família a “maldição do amor”. Elas estão condenadas a ter um defeito de visão que as impede de ver qualquer homem, se casam com um marido invisível e sofrem da náusea nupcial – único sinal de contato que teriam em toda vida com o sexo masculino. Em troca de abrigo, Dorotéia aceita se tornar tão feia e puritana como as primas.

O motivo central que organiza a peça é o dilaceramento do espírito humano e o delírio que se constitui através da fissura, das vontades. As personagens são “fissuradas” por algo que não podem ter: o sexo. A convivência entre prazer e pureza em que ao mesmo tempo são cortadas ao meio pela tensão daí decorrente, que termina por destruir as formas de vida, ou seja, a personagem central pecou e se arrependeu. Arrependeu? Nem tanto, pois sob a instigação de Dona Flávia, para concluir sua purificação pela feiura e pela doença incurável deve pecar novamente com Nepomuceno, o senhor das chagas. Dorotéia é uma mistura de sonho, pesadelo, desatino e destino irremediável. Por um momento paira a esperança de que a maldição não se cumprirá, mas ela é irreconhecível.

De todos os símbolos presentes na obra, o mais enigmático para os dias de hoje é o do “Jarro”, pois ele representa a imagem do espaço do prostíbulo, graças ao uso que dele faziam as mulheres, sobretudo as prostitutas na precariedade de seus ambientes, para se lavar depois do ato sexual.

O uso do símbolo presente na obra, “uma casa sem móveis”, é o fio condutor para essa encenação onde o espectador está junto com o ator, diminuindo assim, a distinção entre palco e plateia. Assim, o texto “Rodrigueano” ganha outro valor, tanto para os atores quanto para o público, pois as interpretações são baseadas no íntimo das relações entre ator/público e ator/espaço, propondo assim uma verossimilhança entre real e imaginário não presentes na obra. Nesta encenação o público é convidado a entrar literalmente na casa das primas de Dorotéia, com 100 lugares disponíveis no palco.

Outro ponto alto da encenação e que a diferencia das demais é o coro masculino, não presente na obra, intitulado pela direção como “Os Homens Jarro” que representam tanto a aparição do signo “jarro” como os homens que passaram pela vida da ex-prostituta. Esse coro permeia a encenação executando ao vivo os sons e a trilha do espetáculo.

O projeto Dorotéia surgiu do encontro entre a atriz Rosamaria Murtinho e o ator e diretor Jorge Farjalla da Cia. Guerreiro, após uma apresentação do espetáculo “Paraíso Agora ou Prata Palomares”, de Zé Celso Martinez Correa, onde enxergando nesse tipo de trabalho um uso diferenciado da pesquisa, da linguagem e da proposta cênica no uso do espaço, Rosamaria propôs uma parceria para comemorar seus 60 anos de carreira, produzindo o espetáculo.

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DOROTÉIA

Teatro Cetip – Instituto Tomie Ohtake (627 lugares)

Rua Coropés, 88 – Pinheiros

Informações: 4003.5588

Bilheteria: terça à sábado das 12h às 20h. Domingos e feriados das 13h às 20h.

Vendas: www.ticketsforfun.com.br

Sexta e Sábado às 21h | Domingo às 19h

Ingressos:

R$ 110 (Plateia Premium – no palco)

R$ 90 (Plateia) | R$ 70 (Balcão)

A Plateia Premium coloca você dentro do cenário do espetáculo, não só como espectador, mas como parte da história da família de D. Flávia. O cenário é uma floresta seca e densa onde nada floresce apenas a constante vigília das primas amarguradas de Dorotéia. Não há participação do elenco com a plateia.

Duração: 90 minutos

Recomendação: 16 anos

Estreia dia 12 de Maio de 2017

Temporada: até 02 de Julho

 

Ficha Técnica:

Texto | Nelson Rodrigues

Direção e Encenação | Jorge Farjalla

Dramaturgia | Rosamaria Murtinho, Jorge Farjalla e Diogo Pasquim

Elenco | Rosamaria Murtinho, Leticia Spiller, Alexia Dechamps, Anna Machado, Dida Camero e Jaqueline Farias
Homens Jarro | André Américo, Daniel Martins, Du Machado, Fernando Gajo, Pablo Vares e Rafael Kalil

Direção Musical | João Paulo Mendonça

Produção Musical | André Américo, Daniel Martins, Du Machado, Fernando Gajo, Pablo Vares e Rafael Kalil

Eletrônica ao vivo e difusão| João Paulo Mendonça

Direção de Arte e Espaço Cênico | José Dias

Figurinos | Lulu Areal

Iluminação | Jorge Farjalla, Jessica Catharine e José Dias

Preparação Corporal | Jorge Farjalla

Preparação Vocal | Patrícia Maia

Maquiagem e Visagismo | Anderson Calixto

Fotografia | Carol Beiriz

Design Gráfico | Julia Sampaio

Assessoria de Imprensa | Morente Forte

Ass. Direção | Diogo Pasquim e Raphaela Tafuri

Camareiro | José Lima

Contrarregra | Márcio da Silva

Produção Executiva | Sandra Valverde

Direção de Produção | Lu Klein

Transportadora Oficial | Avianca

Realização MRM Produções

 

A VIDA

Em A VIDA, Nelson Baskerville e seus atores somaram às questões biográficas a pesquisa de um jogo cênico constituído de forma aleatória. Uma roleta define a cada sessão quais cenas serão apresentadas e qual a ordem delas. “Queria criar um espetáculo que pudesse ser aleatório e ao mesmo tempo ensaiado, partindo de experiências biográficas minhas e dos atores. A questão do uso biografia como ponto de partida dramatúrgico é que sempre consigo ver a vida e entendê-la melhor desta forma”, diz Nelson.

A VIDA não se trata de um espetáculo de improvisação já que as 35 cenas do espetáculo foram pré ensaiadas. As cenas são resultantes da grande efervescência criativa dos nove meses de ensaio onde cada membro da equipe criou seu material com as próprias ferramentas. As cenas funcionam com certa autonomia, mas se conjugam de formas diversas, conforme os resultados de um sorteio realizado a cada sessão.

O espetáculo é dividido em 7 fases, 12 cenas por noite (contando com as transições fixas), mais de 1.000 combinações possíveis, garantindo ao público em cerca de 110 minutos um espetáculo único a cada noite e a possibilidade de assistir ao espetáculo várias vezes. “Parti da ideia de Schopenhauer sobre uma aparente aleatoriedade da vida; não estamos falando exatamente de destino aqui, porque não é como se as coisas já estivessem traçadas, mas sim como se tudo fosse traçado a cada momento conforme as coisas acontecessem”, diz o diretor.

O expediente autobiográfico e do documentário cênico é bastante familiar ao diretor Nelson Baskerville, que conduziu com grande êxito o processo que resultou no espetáculo “Luis Antonio – Gabriela” (pelo qual recebeu o Prêmio Shell por sua direção entre outros destaques). O espetáculo tem como enredo a vida de sua irmã travesti Gabriela (Luis Antonio Baskerville Lerardi, nome masculino) numa sociedade conservadora e preconceituosa da cidade de Santos, nos anos 1960, e os problemas pelos quais passaram Gabriela e todos os membros de sua família.

O uso das biografia partiu da premissa de que cada pessoa é e tem em si própria um arquivo, uma reserva de experiências, memórias, saberes e principalmente imagens. Neste processo, as situações biográficas foram colocadas em cena de forma que ganhassem um coeficiente de teatralidade e transcendessem à memória. Temas como morte, abuso, origem, infância, relações familiares estão presentes no espetáculo.

O objeto de investigação da AntiKatártiKa Teatral é um teatro que sequestra a realidade para transferí-la para o palco, incorporando uma possível camada cênica fantástica, onírica, que desloca a narrativa do relato individual e alcança a dimensão de imaginário/discurso coletivo, uma vez apropriada e manipulada por todos os agentes. Como em Tchechov: o teatro não é a vida como ela é ou a vida como deveria ser, o teatro é a vida que se tem através dos sonhos”.

Sinopse

Seis atores e seu diretor se propõe a investigar suas tragédias pessoais e fazer delas teatro. Um mergulho em questões viscerais que resistiram à passagem do tempo. Um jogo de combinações e subjetividades. Uma rede de encontros preciosos em que cada cena emerge em mútua relação com as outras. Um espetáculo caótico e imponderável como a vida. A cada sessão, uma nova versão de si mesmo.

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Serviço

SESC Santo Amaro (R. Amador Bueno, 505 – Santo Amaro, São Paulo)

Temporada: de 2 de junho a 9 de julho – sextas às 21h, sábados às 20h e domingos às 18h.

Ingressos: R$ 25,00 (inteira), R$ 12,50 (meia) e R$ 7,50 (comerciários)

Classificação: 16 anos

Duração: 90 minutos

Ficha Técnica

Direção Geral: Nelson Baskerville

Assistência de Direção: Anna Zepa

Dramaturgia: Nelson Baskerville e Elenco

Colaboração Dramatúrgica: Marcos Ferraz

Elenco: Camila Raffanti, Felipe Schermann, Hercules Moraes, Nuno Carvalho, Tamirys Ohanna e Thaís Medeiros

Cenografia: Amanda Vieira

Figurinos: Marichilene Artisevskis

Iluminação: Wagner Freire

Trilha Sonora: Daniel Maia

Direção Audiovisual: Laerte Késsimos

Direção de Pesquisa Corporal: Cristiano Karnas

Estudo de estruturas matemáticas: Carlos Vianna

Fotografia: Ligia Jardim

Designer Gráfico: Amanda Vieira

Estagiários: Rafael Carvalho e Rafael Érnica

Assistente de Adereços e Cenografia: Marita Prado

Cenotécnicos: PADÔ e Rúben Pagani

Costureira Cenário: Nirce Santos de Abreu

Contra-regra de Montagem: Andreas Guimarães

Costura: Judite Gerônimo de Lima

Modelagem Fit: Fernanda Binotti

Produção Executiva: Amanda Vieira e Thaís Medeiros

Assistência de Produção: Maria Medeiros

Idealização e Produção Geral: AntiKatártiKa Teatral (AKK)

Assessoria de Imprensa: Pombo Correio

LEMBRO TODO DIA DE VOCÊ (opinião)

O novo musical do Núcleo Experimental – “Lembro Todo Dia de Você” – estreia nesta próxima quinta, 18 de maio, às 20 horas, no teatro do Centro Cultural Banco do Brasil.

Conta a história de Thiago, um jovem que se descobre soropositivo e inicia uma jornada de autoconhecimento em direção a questões decisivas de sua vida – como o abandono paterno, a descoberta da sexualidade, relacionamentos, amizades e o estigma enfrentado diariamente por pessoas que têm o vírus.

O texto foi escrito baseado em fatos da vida de Rafa Miranda, compositor e regente da peça, e de sua experiência como portador de HIV, bem como através de pesquisas de campos com jovens portadores do vírus e de grupos de apoio.

A falta de informação, a solidão, as inseguranças, as frustrações e o sentimento de culpa me deixavam submerso no medo. O Zé e a Fernanda me acolheram e me deram suporte, criando uma rede de segurança onde eu pudesse compartilhar meus sentimentos e sair do silêncio”, diz Rafa. Ele disse que ao ouvir os depoimentos de outros jovens, percebeu que suas experiências eram similares, e que tinham dificuldade em dividi-las com outras pessoas.

Tivemos contato com o texto no final do ano passado, quando assistimos uma leitura dramatizada feita no Teatro do Núcleo Experimental. Nesta apresentação inicial, feita para um público reduzido, onde sentamos próximo dos atores, o impacto do texto, atuação e canções, nos atingiu em cheio. E emocionou muito!

O que nos marcou mais foi esta busca do personagem Thiago pelo seu autoconhecimento. Tirar os véus, que impomos em certos fatos (como uma forma de proteção) e percebermos que a realidade não é bem aquela que pintamos (e tentamos crer). É uma jornada de crescimento do personagem.

O elenco é mais um acerto de Fernanda Maia (Texto e Diretora Musical) e de Zé Henrique de Paula (que além de dirigir, ainda atua). Davi Tápias vive o jovem Thiago, com uma candura, mas que mesmo assim, consegue enxergar os seus medos e incertezas (Davi também está em “Senhor das Moscas“, do Núcleo Experimental, no teatro do SESI. Leia nossa opinião aqui). Junto dele, temos Bruna Guerin, Fabio Redkowicz, Gabriel Malo e Zé Henrique (todos do espetáculo Urinal, o Musical), Anna Toledo e Fábio Augusto Barreto.

As canções também são de uma primazia, e passeiam pelos gêneros pop, bolero, disco, jazz e música de jogos digitais. É de querer ter a trilha sonora gravada para poder ouvir novamente depois.

Lembro Todo Dia de Você” tem todos os ingredientes para ser mais um sucesso, e já esperamos que pós temporada no CCBB, venha ser apresentado no teatro do Núcleo Experimental. Esperamos temporada lotada e com filas. Porque merece!

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Serviço

Lembro Todo Dia de Você. Estreia dia 18 de maio, quinta-feira, às 20h, no CCBB São Paulo (Rua Álvares Penteado, 112 – Centro – São Paulo) Temporada: Sextas, sábados e segundas, às 20h, e domingos, às 19h. Até 26 de junho. Ingressos: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia). Capacidade: 140 lugares.  Classificação Indicativa: 16 anos. Duração: 100 minutos.

Texto/letras e direção musical: Fernanda Maia. Música: Rafa Miranda. Direção: Zé Henrique de Paula. Colaboradores: Herbert Bianchi e Zé Henrique de Paula. Elenco: Anna Toledo, Bruna Guerin, Davi Tápias, Fábio Augusto Barreto, Fabio Redkowicz, Gabriel Malo e Zé Henrique de Paula. Músicos: Fernanda Maia (piano), Abner Paul (bateria), Benjamin Bernardes (violino), Branco Bernardes (viola), Clara Bastos (contrabaixo elétrico) e Felipe Parisi  (violoncelo).

A FALECIDA

Comemorando 17 anos, o Grupo Gattu volta à bem sucedida pesquisa das obras de Nelson Rodrigues e estreia o espetáculo “A FALECIDA”,  no dia 25 de abril, às 21h, no Teatro do Sol, em Santana. As apresentações acontecem aos sábados e domingos e os ingressos são gratuitos.

 As outras incursões do Grupo Gattu ao universo rodrigueano lhes renderam o convite para os festivais Ibero Americano de Teatro (com “Viúva, porém honesta”, em 2009, e “Boca de Ouro”, em 2011), de Curitiba (“Dorotéia”, em 2010) e São José dos Campos (“A Serpente”, em 2012), além de figurarem entre os melhores espetáculos em cartaz na cidade de São Paulo pela Revista Bravo e Revista Veja.

“A FALECIDA” é uma obra ousada, emocionante e cheia de humor mordaz. Assombrada pela moral e fascinada por uma ideia fixa de morte purificadora, Zulmira percorre funerárias planejando seu próprio enterro com pompas e cerimônias. A fim de se igualar a castidade de sua prima, desafia sua família e contraria seu marido, um homem desempregado e igualmente fanático, mas por futebol.

Esta montagem foi contemplada com a “IV Edição do Prêmio Zé Renato de Teatro para a cidade de São Paulo”. O Grupo Gattu  sentiu-se honrado com este prêmio da Secretaria Municipal de Cultura que contempla trabalhos cujas pesquisas são referências para a cultura do país. “Seguimos com orgulho o trabalho de elevar a memória do nosso maior dramaturgo trazendo aos palcos sua obra repleta de humor cáustico, provocação e sensualidade” comemora Eloísa Vitz, que também é a mulher que mais dirigiu espetáculos de Nelson Rodrigues no Brasil. 

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A Falecida
Com Eloisa Vitz, Miriam Jardim, Daniel Gonzales, Laura Vidotto, Mariana Fidelis, Lilian Peres, Rodrigo Vicenzo e Jailton Nunes. Ator convidado: Darson Ribeiro
Teatro do Sol (Rua Damiana da Cunha, 413 – Santana, São Paulo)
Duração 80 minutos
25/04 até 25/06
Sábado – 21h; Domingo – 19h
Entrada gratuita
Classificação 16 anos
 
Texto: Nelson Rodrigues
Direção: Eloísa Vitz
Assistente de Direção: Miriam Jardim
Crédito das fotos: Claudinei Nakasone
Assessoria de Imprensa: Flavia Fusco Comunicação

ENTRE VÃOS

O espetáculo foi contemplado pela 29ª Edição do Programa Municipal de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo e conta com a direção de Luiz Fernando Marques, o coletivo teatral A Digna reestreia o espetáculo Entre Vãos no dia 1º de abril, sábado, às 15 horas. A peça propõe uma experiência teatral que começa antes mesmo da cena.

Pelo site do espetáculo www.adigna.com/entrevaos, o público escolhe o local e a personagem que deseja acompanhar: uma balconista que trabalha numa loja de paletas mexicanas na Santa Cecília; um livreiro de um sebo no Anhangabaú; ou uma mulher, conhecida como Anjo de Corredor (pessoa que guiava os moradores nas dependências do antigo edifício São Vito, normalmente sem luz elétrica, até seus apartamentos), que mora próxima ao metrô Marechal Deodoro.

A quarta personagem é Walkyria Ferraz, uma espécie de empreendedora comercial que passa por todas as histórias.

A montagem propõe uma experiência cênica pulverizada que transita entre fronteiras de linguagens, oferecendo ao espectador um encontro vivo com histórias reais, ficcionais e paisagens paulistanas.

Durante o processo, A Digna mergulhou na realidade do Edifício São Vito, um prédio de arquitetura modernista, popularmente conhecido por Treme-Treme, que foi concebido como opção de moradia popular na baixada do Glicério e acabou demolido em 2011.

No site do espetáculo, as personagens fazem um convite ao espectador por meio de vídeos. As cenas, imagens e textos funcionam como prólogo da peça e dão pistas sobre as histórias. Após finalizar a compra do ingresso, o espectador recebe um e-mail com orientações e o endereço para o ponto de encontro próximo a cada história.

No ponto de encontro marcado, cada grupo, formado por até 15 pessoas, caminha para os locais onde se desenrola cada história individual. Após o término dessa cena, os espectadores são convidados a acompanhar sua personagem em um percurso a pé e por meio de transporte coletivo até outro ponto da cidade. No trajeto, o público é guiado por um áudio composto de músicas e textos que sugerem colagens entre sons, a história contada e as paisagens do caminho. Ao fim do percurso, as quatro personagens e os três grupos de espectadores se encontram para a cena final.

Para sincronizar as ações, o uso da tecnologia é determinante, por isso a parceria com o coletivo Um Cafofo – Núcleo de criação artística que mescla variadas vertentes das artes e das tecnologias em suas obras – que propõe novas camadas de fruição, além de estabelecer os elos entres as cenas.

O desafio do diretor Luiz Fernando Marques foi potencializar essa dinâmica. “A proposta dialoga com a linguagem que eu costumo trabalhar, por ser num espaço não convencional, pelo envolvimento do público e a ideia do seu deslocamento. Durante o processo fiz provocações no sentido de trabalhar a relação com a plateia, transformando esse texto pronto numa conversa e deixando que o espaço também conte a história”, explica.

Por afetar a vida particular de centenas de cidadãos, a demolição do Edifício São Vito serve de ponto de partida para a reflexão sobre o despejo físico e simbólico de inúmeras pessoas. A cidade se transforma e obriga os cidadãos a refazerem suas histórias, ao mesmo tempo em que essas novas histórias colaboram para a contínua transformação da cidade. A intimidade mais profunda de cada um e a sua relação com o que é público permeia todos os meus textos”, explica o autor Victor Nóvoa.

Esta segunda temporada de Entre Vãos faz parte do projeto 3 ATOS POR SP,  que envolve diversas ações cênicas nas cinco regiões da cidade. A peça é parte da Trilogia do Despejo, uma série de obras que buscam compreender como os modos de vida do paulistano se alteraram com a gentrificação do espaço urbano. A pesquisa originou o espetáculo Condomínio Nova Era (2014), Entre Vãos (2016) e prevê uma série de ações intitulada 3 Atos Por SP, que nortearão o terceiro espetáculo.

 

 

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Entre Vãos
Com Ana Vitória Bella, Helena Cardoso, Laís Marques e Plinio Soares
Duração 110 minutos
01/04 até 16/05
Sábado, Domingo, Terça e Feriados – 15h
$20
Classificação 16 anos
Capacidade 15 lugares (por personagem)
 
Endereço de cada ponto de encontro – A peça acontece nas imediações das estações Marechal Deodoro, Santa Cecília e Anhangabaú. As reservas, assim como as informações de logística de encontros só serão passadas via site da obra – http://www.adigna.com/entrevaos
Telefone para informações: 11 98846-6080
 
Direção: Luiz Fernando Marques
Diretor assistente: Paulo Arcuri
Dramaturgia: Victor Nóvoa
Videografismo e Tecnologias: Um Cafofo (André Grynwask e Priscila Argoud)
Cenografia e iluminação: Marisa Bentivegna
Assistente de cenografia e iluminação: Amanda Vieira
Trilha sonora: Carlos Zimbher
Figurinos: Eliseu Weide
Cinegrafista e Edição de vídeo: Bruno Araújo
Atriz convidada (vídeo Anjo de Corredor): Maria Flora Gonçalves
Equipe de Apoio: Anderson Vieira, Rodrigo Bertucci, Tatiana Vinhais e Vivian Petri
Fotos: Alécio Cezar
Programação visual: Vertente Design
Assistência de Produção: Catarina Milani
Concepção: A Digna e Um Cafofo.
Assessoria de Imprensa: Adriana Balsanelli

COLÔNIA PENAL

A abordagem da condição humana e social implícita nas obras de Kafka é de uma atualidade desconcertante; e se aproxima do que julgamos urgente e fundamental discutir na sociedade contemporânea. Kafka nos dá uma visão ampla e original do indivíduo em relação ao meio em que está inserido. A opressão, o aprisionamento e a desesperança deste homem que traz em si as marcas de sofrimento de um mundo alienado são temas recorrentes em sua obra.

O escritor Checo faz uma análise crítica sobre o instituto da pena, analisando os seus limites, a sinistra imposição de penas baseadas em castigos corporais pelo Estado e ilustra com clareza e precisão as barbáries que constituíam as técnicas medievais na aplicação desses castigos punitivos. É uma crítica aberta aos regimes despóticos nos quais o processo judicial e o direito de liberdade são subjulgados.

O espetáculo propõe que o insólito e o absurdo possam ser percebidos em várias situações: Numa detalhada descrição de métodos de tortura dos regimes antidemocráticos abrigando e encobertando assassinos; na cruel e irônica omissão de um observador estrangeiro;na estranha relação entre o poder oficial e o condenado.

O coreógrafo Sandro Borelli e Grupo ampliam a pesquisa em direção as torturas cometidas pela ditadura militar no Brasil nas décadas de 60,70 e 80 resultando com a morte e desaparecimento de centenas de brasileiros contrários ao regime da época.Constrói uma estrutura de gestos, ações e movimentos resultando uma dramaturgia corporal teatralizada, para gerar um jogo de tensão no espectador.

Colônia Penal caracteriza-se como um atentado contra a dignidade humana. É o anti-herói kafkiano lançado, torturado e executado nos porões da ditadura militar brasileira.

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Colônia Penal
Com Alex Merino, Amanda Santos, Everton Ferreira, Laia Mora, Mainá Santana e Rafael Carrion.
Kasulo Espaço de Arte e Cultura (Rua Souza Lima, 300 – Barra Funda, São Paulo)
Duração 70 minutos
30/03 até 23/04
Quinta, Sexta e Sábado – 21h; Domingo – 19h
Ingressos: um quilo de alimento não perecível
Classificação 16 anos
 
Concepção, direção e coreografia: Sandro Borelli
Trilha sonora e arte gráfica: Gustavo Domingues
Fotografia: Júnior Cecon
Luz: Sandro Borelli
Figurino e cenário: Grupo
Preparação Corporal: José Ricardo Tomaselli e Vanessa Macedo
Direção de produção: Júnior Cecon
Assessoria de Imprensa: Pombo Correio