MÁRCIO GOMES – ETERNAS CANÇÕES

Há 3 anos em cartaz com o show Eternas Canções, no Rio de Janeiro, Márcio Gomes celebra o sucesso da longa temporada com o lançamento do CD produzido por Thiago Marques Luiz, gravado ao vivo, em janeiro deste ano.

Márcio apresenta um repertório com clássicos que marcaram a música brasileira, como Sentimental Demais e Somos Iguais (Altemar Dutra), Hoje (Taiguara), Porto Solidão (Jessé), Canção da Manhã Feliz (Elizeth Cardoso), Força Estranha (Caetano Veloso), Serenata Suburbana (Capiba), Eu Nunca Mais Vou Te Esquecer (Moacyr Franco), Devolvi (Adelino Moreira), além de uma música inédita composta para o show por Reinaldo Arias e Carlos Colla com o mesmo nome do espetáculo Eternas Canções.

SERVIÇO

Teatro Porto Seguro (Al. Barão de Piracicaba, 740 – Campos Elíseos – São Paulo.)
Gênero: MPB
Duração: 90 minutos
Classificação Etária: Livre
Terça, 27 de junho, às 21h
INGRESSOS

Plateia: R$ 80,00 | R$ 40,00 (meia-entrada)
Balcão: R$ 60,00 | R$ 30,00 (meia-entrada)
Frisas: R$ 60,00 | R$ 30,00 (meia-entrada)

DOROTÉIA

Para comemorar seus 60 anos de carreira, Rosamaria Murtinho interpreta a protagonista e vilã Dona Flávia na peça Dorotéia. Encabeçando o elenco de mais dez atores, Rosamaria e Letícia Spiller, interpretando Dorotéia, encenam pela primeira vez um Nelson Rodrigues nessa montagem que tem direção e encenação de Jorge Farjalla, mantendo e ampliando o diálogo com questões contemporâneas.

A montagem, onde o sagrado e o profano caminham juntos, estreou em fevereiro de 2016 no Rio de Janeiro e realizou 4 temporadas na cidade sempre com casa lotada. Excursionou também por Uberlândia, Araxá, Maceió, Recife, Fortaleza e Salvador com grande sucesso de público e crítica.

Escrita em 1949, Dorotéia fecha o ciclo das obras do teatro desagradável de Nelson Rodrigues, intitulado pelo crítico Sábato Magaldi como “peças míticas” sendo a única farsa escrita pelo autor. O texto é uma ode à beleza da mulher onde a heroína, título da obra, segue em busca da destruição de sua própria beleza para se igualar a feiura de suas primas Dona Flávia, Maura e Carmelita.

Matriarca da família, Dona Flávia recebe Dorotéia, ex-prostituta que largou a profissão após a morte do filho e vai buscar abrigo na casa de suas primas, onde vivem também Maura e Carmelita, num espaço sem quartos e onde há 20 não entram homens. Três viúvas puritanas e feias que não dormem para não sonhar e, portanto, condenadas à desumanização e à negação do corpo, dos sentimentos e da sexualidade. Arrependida, Dorotéia procura abrigo na sua família e é, em alguns momentos, questionada por Dona Flávia, a prima mais velha, que, mesmo com sua raiva, implicância e orgulho, faz de tudo para removê-la da ideia, às vezes com uma nesga de afeto, de fragilidade e disfarçados gestos de acolhimento, mas contando que ela aceite as condições de viver naquela casa. Dorotéia, linda e amorosa, nega o destino e entrega-se aos prazeres sexuais. Este é seu crime, e por ele pagará com a vida do filho e buscando a sua remissão. Na história desta família de mulheres, o drama se inicia com o pecado da avó que amou um homem e casou-se com outro. É neste momento que recai sobre todas as gerações de mulheres da família a “maldição do amor”. Elas estão condenadas a ter um defeito de visão que as impede de ver qualquer homem, se casam com um marido invisível e sofrem da náusea nupcial – único sinal de contato que teriam em toda vida com o sexo masculino. Em troca de abrigo, Dorotéia aceita se tornar tão feia e puritana como as primas.

O motivo central que organiza a peça é o dilaceramento do espírito humano e o delírio que se constitui através da fissura, das vontades. As personagens são “fissuradas” por algo que não podem ter: o sexo. A convivência entre prazer e pureza em que ao mesmo tempo são cortadas ao meio pela tensão daí decorrente, que termina por destruir as formas de vida, ou seja, a personagem central pecou e se arrependeu. Arrependeu? Nem tanto, pois sob a instigação de Dona Flávia, para concluir sua purificação pela feiura e pela doença incurável deve pecar novamente com Nepomuceno, o senhor das chagas. Dorotéia é uma mistura de sonho, pesadelo, desatino e destino irremediável. Por um momento paira a esperança de que a maldição não se cumprirá, mas ela é irreconhecível.

De todos os símbolos presentes na obra, o mais enigmático para os dias de hoje é o do “Jarro”, pois ele representa a imagem do espaço do prostíbulo, graças ao uso que dele faziam as mulheres, sobretudo as prostitutas na precariedade de seus ambientes, para se lavar depois do ato sexual.

O uso do símbolo presente na obra, “uma casa sem móveis”, é o fio condutor para essa encenação onde o espectador está junto com o ator, diminuindo assim, a distinção entre palco e plateia. Assim, o texto “Rodrigueano” ganha outro valor, tanto para os atores quanto para o público, pois as interpretações são baseadas no íntimo das relações entre ator/público e ator/espaço, propondo assim uma verossimilhança entre real e imaginário não presentes na obra. Nesta encenação o público é convidado a entrar literalmente na casa das primas de Dorotéia, com 100 lugares disponíveis no palco.

Outro ponto alto da encenação e que a diferencia das demais é o coro masculino, não presente na obra, intitulado pela direção como “Os Homens Jarro” que representam tanto a aparição do signo “jarro” como os homens que passaram pela vida da ex-prostituta. Esse coro permeia a encenação executando ao vivo os sons e a trilha do espetáculo.

O projeto Dorotéia surgiu do encontro entre a atriz Rosamaria Murtinho e o ator e diretor Jorge Farjalla da Cia. Guerreiro, após uma apresentação do espetáculo “Paraíso Agora ou Prata Palomares”, de Zé Celso Martinez Correa, onde enxergando nesse tipo de trabalho um uso diferenciado da pesquisa, da linguagem e da proposta cênica no uso do espaço, Rosamaria propôs uma parceria para comemorar seus 60 anos de carreira, produzindo o espetáculo.

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DOROTÉIA

Teatro Cetip – Instituto Tomie Ohtake (627 lugares)

Rua Coropés, 88 – Pinheiros

Informações: 4003.5588

Bilheteria: terça à sábado das 12h às 20h. Domingos e feriados das 13h às 20h.

Vendas: www.ticketsforfun.com.br

Sexta e Sábado às 21h | Domingo às 19h

Ingressos:

R$ 110 (Plateia Premium – no palco)

R$ 90 (Plateia) | R$ 70 (Balcão)

A Plateia Premium coloca você dentro do cenário do espetáculo, não só como espectador, mas como parte da história da família de D. Flávia. O cenário é uma floresta seca e densa onde nada floresce apenas a constante vigília das primas amarguradas de Dorotéia. Não há participação do elenco com a plateia.

Duração: 90 minutos

Recomendação: 16 anos

Estreia dia 12 de Maio de 2017

Temporada: até 02 de Julho

 

Ficha Técnica:

Texto | Nelson Rodrigues

Direção e Encenação | Jorge Farjalla

Dramaturgia | Rosamaria Murtinho, Jorge Farjalla e Diogo Pasquim

Elenco | Rosamaria Murtinho, Leticia Spiller, Alexia Dechamps, Anna Machado, Dida Camero e Jaqueline Farias
Homens Jarro | André Américo, Daniel Martins, Du Machado, Fernando Gajo, Pablo Vares e Rafael Kalil

Direção Musical | João Paulo Mendonça

Produção Musical | André Américo, Daniel Martins, Du Machado, Fernando Gajo, Pablo Vares e Rafael Kalil

Eletrônica ao vivo e difusão| João Paulo Mendonça

Direção de Arte e Espaço Cênico | José Dias

Figurinos | Lulu Areal

Iluminação | Jorge Farjalla, Jessica Catharine e José Dias

Preparação Corporal | Jorge Farjalla

Preparação Vocal | Patrícia Maia

Maquiagem e Visagismo | Anderson Calixto

Fotografia | Carol Beiriz

Design Gráfico | Julia Sampaio

Assessoria de Imprensa | Morente Forte

Ass. Direção | Diogo Pasquim e Raphaela Tafuri

Camareiro | José Lima

Contrarregra | Márcio da Silva

Produção Executiva | Sandra Valverde

Direção de Produção | Lu Klein

Transportadora Oficial | Avianca

Realização MRM Produções

 

SUTIL VIOLENTO

A Companhia de Teatro Heliópolis estreia o espetáculo Sutil Violento no dia 27 de maio (sábado, às 20h), na Casa de Teatro Maria José de Carvalho, no bairro Ipiranga, em São Paulo.

Com texto de Evill Rebouças e encenação assinada por Miguel Rocha (diretor e fundador do grupo), a montagem trata da violência sutil – visível ou comodamente invisível – do nosso cotidiano.

A encenação de Sutil Violento inicia com um frenesi cotidiano, as pessoas correm. Não param. Mal se percebem. Desviam umas das outras, em alguns momentos se esbarram e, em átimos de atenção, reparam que há outros tão próximos e tão parecidos (ou tão diferentes?). Ali, logo ali, há um corpo caído no chão. Será um homem ou um bicho? Apenas se cansou ou não respira mais? Queria comunicar algo, mas será que conseguiu? Um olhar mais atento ao entorno começa a revelar abusos, agressões, confrontos e opressões diárias: formas de coerção privadas ou públicas. Sutis violências do nosso tempo; tão sutis que se tornam invisíveis, naturalizadas.

Segundo o diretor Miguel Rocha, o espetáculo aborda o tema microviolência por meio de uma estrutura fragmentada, tanto na cena quanto no texto. A dramaturgia é composta por um conjunto de elementos: ações físicas, movimentos, música ao vivo e texto. Não há personagens com trajetórias traçadas, mas “figuras” cujas relações com o contexto social em que vivem estão em foco, a exemplo da mulher que é silenciada e do jovem que usa sapatos de salto mediante olhares atravessados. “As microviolências se revelam a partir dessas relações que se estabelecem entre essas pessoas e a sociedade”, argumenta o diretor.

A encenação tem trilha sonora de Meno Del Picchia, executada ao vivo (guitarra, violoncelo e percussão). A música também tem sua carga dramatúrgica em Sutil Violento e ajuda a estabelecer as tensões entre as figuras, muitas vezes a força do discurso está na musicalidade ou na própria canção interpretada. Outro ponto importante é o espaço cênico: a Companhia de Teatro Heliópolis optou por uma instalação (de Marcelo Denny) ao invés de cenografia. Nada convencional, o cenário cedeu lugar a um ambiente todo coberto pela cor vermelha (piso, paredes e arquibancadas) que, no primeiro contato, já propõe sensações diversas. “Queremos que o público integre o espaço, e a monocromia ajuda a inseri-lo dentro da cena. Essa cor vibrante, esse vermelho intenso tem como contraponto a luz fria, que também contribui para a sensação de experimentação do não convencional”, conta o diretor.

Miguel Rocha conclui que o espetáculo quer pontuar as microviolências do nosso tempo, do Brasil de hoje; mostrar que as pequenas ou sutis violências se potencializam mediantes suas naturalizações. “Sutil Violento é muito mais provocação que denúncia. Cada um vai entender o espetáculo pela perspectiva pessoal. Por isso acho importante trabalhar com símbolos em cena, que reverberam sempre de forma diferente para cada pessoa; o espectador vai se deparar com alguns deles em Sutil Violento. É importante fazer o público pensar, e um argumento bom para isto é mesmo a provocação.

Sutil Violento é resultado do projeto Microviolências e Suas Naturalizações, contemplado pela 28ª Edição da Lei de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo. Uma série de atividades foi realizada, em 2016, durante o processo de pesquisa. Além de entrevistas com pessoas da comunidade de Heliópolis, o grupo promoveu encontros para discutir a “Naturalização da Violência” com importantes pensadores e ativistas: o jornalista e doutor em ciência política Leonardo Sakamoto, a filósofa Marcia Tiburi, a historiadora social Zilda Iokoi e o jornalista Bruno Paes Manso. Os debates, mediados pela crítica teatral Maria Fernanda Vomero (também provocadora), funcionaram como provocações teóricas fundamentais para a construção do trabalho. O projeto teve ainda provocações teatrais com Alexandre Mate e Marcelo Denny, preparação corporal e direção de movimento de Lúcia Kakazu e figurino assinado por Samara Costa, entre outros.

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Ficha técnica

Encenação: Miguel Rocha.

Texto: Evill Rebouças (criação em processo colaborativo com a Cia de Teatro Heliópolis)

Elenco: Alex Mendes, Arthur Antonio, Dalma Régia, David Guimarães, Klaviany Costa e Walmir Bess.

Direção de movimento e preparação Corporal: Lúcia Kakazu

Oficinas de dança: Nina Giovelli e Camila Bronizeski

Direção musical e preparação vocal: Meno Del Picchia

Oficinas de voz e canto: Olga Fernandez, Sofia Vila Boas e Lu Horta

Músicos: Giovani Bressanin (guitarra), Peri Pane (violoncelo) e Luciano Mendes de Jesus (percussão)

Sonoplastia: Giovani Bressanin

Provocação teórica e prática: Maria Fernanda Vomero

Provocação / teatro épico: Alexandre Mate

Provocação / teatro performático: Marcelo Denny

Mesas de debates: Marcia Tiburi, Leonardo Sakamoto, Bruno Paes Mando e Zilda Iokoi

Mediadora/debates: Maria Fernanda Vomero

Organização de textos do programa: Maria Fernanda Vomero

Cenografia/instalação: Marcelo Denny

Assistente de cenografia: Denise Fujimoto

Figurino: Samara Costa

Iluminação: Toninho Rodrigues e Miguel Rocha

Assistente de iluminação: Raphael Grem

Operação de luz: Gabriel Igor

Direção de produção: Dalma Régia

Produção executiva: Janete Menezes e Mayuri Tavares

Designer gráfico: Camila Teixeira

Fotos: Geovanna Gellan

Assessoria de imprensa: Eliane Verbena

Realização: Companhia de Teatro Heliópolis

Apoio: 28ª Edição do Programa Municipal de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo, AGC Vidros, Schioppa, Arno e Tonlight.

 

Serviço

Espetáculo: Sutil Violência

Estreia: 27 de maio. Sábado, às 20 horas

Casa de Teatro Maria José de Carvalho

Rua Silva Bueno, 1533. Ipiranga/SP. Tel: (11) 2060-0318

Temporada: 27 de maio a 27 de agosto (dia 29 de julho não haverá apresentação)

Horários: sextas e sábados 20h e domingos, às 19 horas

Ingressos: Grátis (bilheteria 1h antes das sessões)

Duração: 90 minutos. Gênero: Experimental. Classificação: 14 anos

Capacidade: 48 lugares. Não possui acessibilidade.

Agendamento para escolas e ONGs: sessões das sextas-feiras.

A VIDA

Em A VIDA, Nelson Baskerville e seus atores somaram às questões biográficas a pesquisa de um jogo cênico constituído de forma aleatória. Uma roleta define a cada sessão quais cenas serão apresentadas e qual a ordem delas. “Queria criar um espetáculo que pudesse ser aleatório e ao mesmo tempo ensaiado, partindo de experiências biográficas minhas e dos atores. A questão do uso biografia como ponto de partida dramatúrgico é que sempre consigo ver a vida e entendê-la melhor desta forma”, diz Nelson.

A VIDA não se trata de um espetáculo de improvisação já que as 35 cenas do espetáculo foram pré ensaiadas. As cenas são resultantes da grande efervescência criativa dos nove meses de ensaio onde cada membro da equipe criou seu material com as próprias ferramentas. As cenas funcionam com certa autonomia, mas se conjugam de formas diversas, conforme os resultados de um sorteio realizado a cada sessão.

O espetáculo é dividido em 7 fases, 12 cenas por noite (contando com as transições fixas), mais de 1.000 combinações possíveis, garantindo ao público em cerca de 110 minutos um espetáculo único a cada noite e a possibilidade de assistir ao espetáculo várias vezes. “Parti da ideia de Schopenhauer sobre uma aparente aleatoriedade da vida; não estamos falando exatamente de destino aqui, porque não é como se as coisas já estivessem traçadas, mas sim como se tudo fosse traçado a cada momento conforme as coisas acontecessem”, diz o diretor.

O expediente autobiográfico e do documentário cênico é bastante familiar ao diretor Nelson Baskerville, que conduziu com grande êxito o processo que resultou no espetáculo “Luis Antonio – Gabriela” (pelo qual recebeu o Prêmio Shell por sua direção entre outros destaques). O espetáculo tem como enredo a vida de sua irmã travesti Gabriela (Luis Antonio Baskerville Lerardi, nome masculino) numa sociedade conservadora e preconceituosa da cidade de Santos, nos anos 1960, e os problemas pelos quais passaram Gabriela e todos os membros de sua família.

O uso das biografia partiu da premissa de que cada pessoa é e tem em si própria um arquivo, uma reserva de experiências, memórias, saberes e principalmente imagens. Neste processo, as situações biográficas foram colocadas em cena de forma que ganhassem um coeficiente de teatralidade e transcendessem à memória. Temas como morte, abuso, origem, infância, relações familiares estão presentes no espetáculo.

O objeto de investigação da AntiKatártiKa Teatral é um teatro que sequestra a realidade para transferí-la para o palco, incorporando uma possível camada cênica fantástica, onírica, que desloca a narrativa do relato individual e alcança a dimensão de imaginário/discurso coletivo, uma vez apropriada e manipulada por todos os agentes. Como em Tchechov: o teatro não é a vida como ela é ou a vida como deveria ser, o teatro é a vida que se tem através dos sonhos”.

Sinopse

Seis atores e seu diretor se propõe a investigar suas tragédias pessoais e fazer delas teatro. Um mergulho em questões viscerais que resistiram à passagem do tempo. Um jogo de combinações e subjetividades. Uma rede de encontros preciosos em que cada cena emerge em mútua relação com as outras. Um espetáculo caótico e imponderável como a vida. A cada sessão, uma nova versão de si mesmo.

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Serviço

SESC Santo Amaro (R. Amador Bueno, 505 – Santo Amaro, São Paulo)

Temporada: de 2 de junho a 9 de julho – sextas às 21h, sábados às 20h e domingos às 18h.

Ingressos: R$ 25,00 (inteira), R$ 12,50 (meia) e R$ 7,50 (comerciários)

Classificação: 16 anos

Duração: 90 minutos

Ficha Técnica

Direção Geral: Nelson Baskerville

Assistência de Direção: Anna Zepa

Dramaturgia: Nelson Baskerville e Elenco

Colaboração Dramatúrgica: Marcos Ferraz

Elenco: Camila Raffanti, Felipe Schermann, Hercules Moraes, Nuno Carvalho, Tamirys Ohanna e Thaís Medeiros

Cenografia: Amanda Vieira

Figurinos: Marichilene Artisevskis

Iluminação: Wagner Freire

Trilha Sonora: Daniel Maia

Direção Audiovisual: Laerte Késsimos

Direção de Pesquisa Corporal: Cristiano Karnas

Estudo de estruturas matemáticas: Carlos Vianna

Fotografia: Ligia Jardim

Designer Gráfico: Amanda Vieira

Estagiários: Rafael Carvalho e Rafael Érnica

Assistente de Adereços e Cenografia: Marita Prado

Cenotécnicos: PADÔ e Rúben Pagani

Costureira Cenário: Nirce Santos de Abreu

Contra-regra de Montagem: Andreas Guimarães

Costura: Judite Gerônimo de Lima

Modelagem Fit: Fernanda Binotti

Produção Executiva: Amanda Vieira e Thaís Medeiros

Assistência de Produção: Maria Medeiros

Idealização e Produção Geral: AntiKatártiKa Teatral (AKK)

Assessoria de Imprensa: Pombo Correio

DESAFIANDO A AMIZADE

A partir de hoje, o Teatro Porto Seguro abre as vendas para o show Desafiando a Amizade com Myra Ruiz e Fabi Bang, que acontece dia 4 de julho, terça-feira, às 21h.

Depois de um ano em cartaz como protagonistas de um dos maiores hits da história da Broadway, as estrelas de Wicked, Myra Ruiz e Fabi Bang se encontram novamente no palco em Desafiando a Amizade, espetáculo musical que tem direção de Miguel Falabella e direção musical do MaestroPaulo Nogueira.

A amizade e a química que fez da dupla um sucesso estrondoso em 2016, com direito a dezenas de fã-clubes nas redes sociais e filas enormes na saída do teatro em busca de selfies, continuou firme após o encerramento do musical. Assim surgiu Apenas Existindo, o canal que as atrizes e cantoras lançaram no Youtube.

A verdade é que a gente se diverte muito juntas e isso acaba passando para o público. Então foi natural pensar em fazer mais coisas juntas. O nome do show é uma homenagem a isso. É difícil manter amizades sinceras em um ambiente com tantas vaidades como o teatro musical, por isso brincamos que a gente `desafiava a amizade´”, diz Fabi.

Os covers que elas gravam para o Youtube também serviram de inspiração para o show. “Nós somos atrizes antes de mais nada. Então para nós não faria sentido apenas fazer um show cantando. A gente gosta de atuar, de explorar personagens no palco. Por isso essa parceria com o Miguel foi fundamental, ele escreveu um texto brilhante para costurar o show. Então as pessoas vão nos ouvir cantar, mas também interpretar papéis, que é nossa grande paixão“, diz Myra.

Após o sucesso de Wicked as atrizes seguiram para novos desafios em 2017. Myra Ruiz abraçou mais um papel importante no teatro, a Maureen do musical Rent, enquanto Fabi Bang migrou para as telinhas como a Nina, da novela Rock Story.

O show Desafiando a Amizade estreou em 4 de maio no Teatro Cetip com ingressos esgotados.

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MYRA RUIZ E FABI BANG no show Desafiando a Amizade

Dia 4 de julho, terça-feira, às 21h.

Ingressos: R$ 120,00 plateia / R$ 80,00 frisas / R$ 60,00 balcão.

Classificação: Livre.

Duração: 90 minutos.

TEATRO PORTO SEGURO (Al. Barão de Piracicaba, 740 – Campos Elíseos – São Paulo)

ALEGRIA, ALEGRIA – O MUSICAL

Em 2017 a Tropicália comemora 50 anos! Para celebrar a história deste movimento que revolucionou a Música Popular e a Cultura Brasileira, com suas singularidades e sua importância, estreia em maio, em São Paulo, Alegria Alegria.

Com roteiro e direção de Moacyr Góes, Alegria Alegria tem um elenco de 15 atores e será protagonizado pela cantora Zélia Duncan, que assume o papel de condutora do espetáculo.

A estreia é dia 13 de maio, no Teatro Santander, em São Paulo, Alegria Alegria terá as canções de Caetano Veloso como eixo da encenação, consideradas pelo diretor “a tradução mais fiel do movimento”, mas também contará com composições de Gilberto Gil, Roberto Carlos, Luiz Gonzaga e Vicente Celestino, entre outros.

 

Alegria, Alegria – o Musical
Com Zélia Duncan, Josi Lopes, Laura Carolinah, Luana Zenun, Nay Fernandes, Pamella Machado, Stephanie Serrat, Talitha Pereira, Bruno Fraga, Daniel Caldini, João Felipe, Luiz Araujo, Marcos Lanza, Patrick Amstalden, Cadu Batanero e Ingrid Gaigher.
Teatro Santander (Av. Presidente Juscelino Kubitschek, 2041 – Itaim Bibi, São Paulo)
Duração 90 minutos
13/05 a 09/07
Quinta e Sexta – 21h; Sábado – 18h e 21h, Domingo – 18h
$50/$250
Classificação livre

Veja abaixo as fotos e vídeos da coletiva.

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SENHOR DAS MOSCAS (OPINIÃO)

Doze jovens estudantes ficam presos em uma ilha desabitada, por causa da queda do seu avião. São de várias escolas e nem todos se conhecem. Precisam arrumar um jeito de sobreviverem, enquanto aguardam o momento de serem resgatados.

A peça é uma parábola sobre o Homem. Temos dentro de nós um dicotomia nata – o Bem e o Mal. Mesmo se recomeçássemos, incorreríamos nos mesmos erros. Queremos dominar o outro, mas passando uma imagem de que somos bons. Não há uma conversa, afinal só falamos e só escutamos o que nos convém. E através do  Poder, fazemos o que queremos – tudo por um Bem maior.

(Não é uma surpresa a realidade do nosso país estar assim. Só há duas classificações – ou você está a favor ou é contra. Não há margem para divergências).

(Desculpem a falta de imparcialidade, mas) amo as montagens do Núcleo Experimental. Há uma coesão na equipe coordenada pelas mãos de Zé Henrique de Paula e Fernanda Maia. Fazem Teatro – contam histórias e despertam sentimentos no público, é impossível sair incólume de suas montagens.

Há estruturas de madeiras que fazem de cenário para a peça, mas tudo está centrado na atuação dos doze jovens atores e na palavra (texto). Poderia falar dos dois pólos – Bruno Fagundes e Ghilherme Lobo, mas é um trabalho de grupo, onde todos têm seu destaque e importância para o resultado do espetáculo.

Você sai cansado do Teatro do SESI. Não é uma história para se divertir, mas sim para pensar e refletir pelos dias pós espetáculo. A única certeza é que o texto de William Golding (1954), montado pelo Núcleo Experimental, tem que ser visto.

(Curiosidade –  “O Senhor das Moscas” é uma tradução literal do nome hebraico de Ba’alzevuv, ou Belzebu)

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Senhor das Moscas
Com Arthur Berges, Bruno Fagundes, Davi Tápias, Felipe Hintze, Felipe Ramos, Gabriel Newman, Ghilherme Lobo, Lucas Romano, Paulo Ocanha Jr., Pier Marchi, Rodrigo Caetano, Rodrigo Velozo, Thalles Cabral
Stand-in: Gabriel Malo, João Paulo Oliveira e Luiz Rodrigues
Teatro do SESI (Av. Paulista, 1313 – Jardins, São Paulo)
Duração 90 minutos
04/05 até 26/11
Quinta, Sexta e Sábado – 15h, Domingo – 14h30
Entrada gratuita (reserva pelo site do SESI ou no dia da apresentação direto na bilheteria do teatro)
 
Texto: Nigel Williams
Tradução: Herbert Bianchi e Zé Henrique de Paula
Direção: Zé Henrique de Paula
Direção musical e preparação vocal: Fernanda Maia
Preparação de atores: Inês Aranha
Coreografia: Gabriel Malo
Cenografia: Bruno Anselmo
Figurinos: Zé Henrique de Paula
Iluminação: Fran Barros
Design de som: João Baracho
Assistente de direção: Rodrigo Caetano
Diretor residente: Lucas Farias
Assistentes de figurino: Danilo Rosa e Leandro Oliveira
Design gráfico e videos: Laerte Késsimos
Coordenação de produção: Claudia Miranda
Produção executiva: Louise Bonassi
Assistentes de produção: Laura Sciuli e Mariana Mello
Fotos: Giovana Cirne
Assessoria de Imprensa: Pombo Correio