RES PÚBLICA 2023

REPÚBLICA. [do latim, res publica (“coisa pública”)] 1. Bairro do centro histórico de São Paulo, formado no entorno da Praça da República, limitado ao norte pela av. Duque de Caxias, ao leste pelo Vale do Anhangabaú, a oeste pelo bairro de Higienópolis e ao sul pela Praça Franklin Roosevelt; 2. Utopia do filósofo grego Platão, escrita no século IV a.C. sob a forma de diálogos, ao longo dos quais a personagem de Sócrates descreve a formação de uma cidade ideal, A República, de onde os artistas deverão ser expatriados; e 3. Como é conhecida popularmente uma casa onde moram diversas pessoas de laço não-consanguíneo.

Depois de ter seu texto eleito por dois anos consecutivos como o quarto melhor inscrito no “Edital de Dramaturgia em Pequenos Formatos Cênicos” (2017 e 2018), obtendo a primeira suplência entre os mais de 260 inscritos nas duas ocasiões, RES PÚBLICA 2023, d’A MOTOSSERRA PERFUMADA, foi recentemente censurado pela diretoria da Funarte SP, onde estava com a estreia marcada. A decisão arbitrária da instituição, baseada exclusivamente em uma sinopse, foi acompanhada pela explicação de que a peça não teria “qualidade artística” para ocupar uma das salas do complexo cultural.

O espetáculo escrito e dirigido por Biagio Pecorelli finalmente estreia no dia 11 de outubro, no Espaço Cênico Ademar Guerra, no porão do CCSP – Centro Cultural São Paulo, onde segue em cartaz até 10 de novembro. O elenco, além do próprio diretor, fica completo com Bruno Caetano, Camila Rios, Edson Van Gogh, Jonnata Doll e Leonarda Glück.

A trama da peça se passa no Réveillon de 2023, quando o movimento Anaconda Brazil leva às ruas grandes massas patrióticas. O Brasil vive um período de grande prosperidade econômica, mas não para Tom, Billy, Suzanne, Vincent, John e Vallentina, que vivem amontoados numa pequena república no centro de São Paulo. No limite entre ficção e realidade, eles contam histórias e se revezam na tarefa de trazer da rua objetos com os quais vão construindo uma trincheira, atrás da qual estarão sempre entre combater ou esperar misticamente por dias melhores.

A pesquisa que originou este projeto

Em sua famosa obra “A República” (século IV a.C.), o filósofo grego Platão discorre sobre diversos temas que sedimentam a fundação de uma cidade ideal. Feita sob a forma de diálogos e dividida em dez livros, a obra é uma exaustiva reflexão sobre a Justiça, ao longo da qual a figura de Sócrates conduz seus aprendizes a uma compreensão racional de tudo aquilo que faz a cidade prosperar para o Bem, propiciando à alma do homem não a sua degeneração, mas o “discernimento” da Verdade.

Conferindo a esse “discernimento” o status de baliza não apenas para sua visão de Justiça, mas também a estendendo para toda a concepção política e ética da República, Platão desenhou os contornos de uma cidade ideal, da qual o artista deve ser expulso por ser ele quem copia a realidade ao criar ilusões que afastam os cidadãos da Verdade. Mas, a quem serviria uma cidade ideal?

O descompasso na relação entre o Poeta e a Cidade, podemos dizer de maneira mais ampla entre o Artista e a Cidade, permanece aceso no século 21, mesmo com todas as ressignificações do estatuto da arte. Não faltam exemplos no século passado no qual a Arte (e o Teatro) foi reduzida a um mero instrumento propagandístico de Estados totalitários, de esquerda e de direita. O regime Nazista alemão, por exemplo, alcunhou de “Arte Degenerada” a Arte Moderna, censurando toda arte (inclusive o Teatro) que não exaltasse o que chamava de “sangue e solo” (Blut und Boden). O suicídio de Maiakovski em 1933, por sua vez, bem como o assassinato de Meyerhold em 1940, também provam o quão trágico pode ser o destino de um artista na caminhada de uma sociedade rumo ao Comunismo.

E o que dizer das acusações que recentemente têm sido deferidas por setores mais conservadores da sociedade contra artistas brasileiros cujas obras, segundo esses setores, ferem os valores morais, afastam os homens do Bem? Não teriam como pano de fundo o mesmo secular embate entre Artista e Cidade exaltado por Platão em “A República”? Não colocariam mais uma vez em jogo o descompasso entre Arte e Cidadania, descompasso este que parece se agravar sempre que se acirram as disputas políticas e econômicas no espaço público?

Para a criação de “RES PUBLICA 2023”, A MOTOSSERRA PERFUMADA buscou estender, enquanto pesquisa cênica desenvolvida por 2 anos no bairro, essa visão do artista como um “degenerado” para toda uma legião de “expatriados” – gays, prostitutas, michês, travestis, imigrantes, adictos, etc. – que vive na República, coração da cidade de São Paulo. Como a figura do poeta na cidade ideal platônica, essas populações se encontram hoje exiladas, nesse caso, exiladas dentro mesmo da cidade, resistindo aos regimes de ordenação moral e econômica do espaço urbano que sufocam e restringem, muitas vezes silenciosamente, seu usufruto da coisa pública.

Sobre a Encenação (por Biagio Pecorelli) 

Nascida de uma pesquisa em site-specific no bairro da República, a dramaturgia de RES PUBLICA 2023 faz referências a pontos estratégicos da vida noturna desta localidade, à geografia urbana do bairro, ao passado de prática de touradas na Praça e às perseguições de sua população “expatriada” (imigrantes, gays, travestis, artistas, baixa classe teatral, etc.). Em cena, o elenco instaura um clima de convivência e partilha de objetos e desejos, semelhante ao de uma república (moradia coletiva); e atua a partir da construção dos seus personagens e das suas próprias biografias – que aqui se misturam. Para o palco, trazem objetos – um vaso sanitário, uma placa luminosa “2023”, um gramofone, etc. – que vão compondo a cenografia e depois se tornam uma espécie de trincheira. 

O prólogo da peça compreende uma espécie de live terrorista, no qual o elenco (vestindo máscaras que lembram as da KKK) fala para uma câmera, deixando para o público a sensação de que está num set de gravação, bastante precário. Ao final do Prólogo, o elenco conduz a mesa ao palco ao som de um trecho de “Marcha Fúnebre de Siegfried”, de Richard Wagner. 

Os três quadros da peça, que se passam no ínterim de uma festa de Réveillon, têm como referência a linguagem do Teatro de Revista, uma linguagem popular, já apontada na própria dramaturgia, com entradas e saídas rápidas de personagens. Em pontos estratégicos da peça, a encenação estabelece “clareiras” nas quais as personagens atuam textos ou números que parecem descoladas da dramaturgia, mas oferecem, sobre esta, novas perspectivas (políticas, estéticas, éticas, sociais, etc.). É o caso do número de Billy e Vallentina, com um texto extraído de O Rei da Vela, de Oswald de Andrade, com a travesti fazendo o papel de Heloisa de Lesbos, ao som de uma versão naïf de Aquarela do Brasil pela orquestra do Ray Conniff; do spoken word da personagem Suzanne ao microfone, entre os Quadros I e II; das digressões sobre o movimento punk no Ceará, feitas pelo cantor cearense Jonnata Doll; e do depoimento, em voz off, do personagem Tom, vestido de coelho, sobre a monogamia e o Amor Universal no Quadro III da peça. 

O Epílogo da peça retoma a mesa disposta no Prólogo, mas desta vez para mesclar uma Santa Ceia com uma aula – entendida como performance –, na qual as personagens descrevem os acontecimentos posteriores à narrativa a partir de imagens fotográficas e pictóricas colhidas na pesquisa de dois anos sobre o bairro da República. Aqui, temas como touradas, perseguições a travestis, guerras e pintura a óleo se mesclam para oferecer ao público uma cena onde os tempos – passado, presente e futuro – se devoram. 

FACE (1)

Res Pública 2023

Com Biagio Pecorelli, Bruno Caetano, Camila Rios, Edson Van Gogh, Jonnata Doll e Leonarda Glück

Centro Cultural São Paulo – Espaço Cênico Ademar Guerra (Rua Vergueiro, 1000, Paraíso – São Paulo)

Duração 100 minutos

11/10 até 10/11

Quinta, Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 20h

$40

Classificação 16 anos

BRIAN OU BRENDA?

Cada vez mais pulsante na sociedade, a discussão sobre identidade de gênero ganha uma abordagem surpreendente em Brian ou Brenda?, com dramaturgia de Franz Keppler e direção de Yara de Novaes e Carlos Gradim, que recria com liberdade ficcional o polêmico caso de David Reimer. O espetáculo tem sua temporada gratuita de estreia no Centro Cultural São Paulo – Sala Jardel Filho, entre 27 de setembro e 20 de outubro, e, em sequência, segue para uma temporada popular no Viga Espaço Cênico, de 25 de outubro a 17 de novembro, com ingressos a R$20.

Em 1965, nascem os gêmeos Brian e Bruce, que são submetidos a uma cirurgia de fimose aos 8 meses. Durante esse procedimento, o pênis de Brian é acidentalmente cauterizado. Atônitos, os pais procuram o psiquiatra John Money, que defende a tese de que os bebês nasceriam neutros e teriam seu gênero definido pela criação. Ele aconselha a família a fazer em Brian uma operação de redesignação sexual e a educá-lo conforme uma menina.

A criança passa a ser chamada de Brenda. O resultado é uma menina que cresce infeliz em um corpo que não é seu e, ainda adolescente, tenta se matar. Os pais decidem contar a verdade e, então, Brenda resolve ir em busca da real identidade que nunca havia deixado de ter.

Conhecida como um dos casos mais polêmicos da psiquiatria, a violência sofrida por David Reimer é usada por pesquisadores e instituições de todo mundo para fomentar a discussão sobre identidade de gênero. Os grupos conservadores argumentam que este é um exemplo de que uma pessoa biologicamente nascida com o sexo masculino sempre se identificará como um homem. Já os teóricos de gênero defendem que o sofrimento causado pela tentativa de impor uma identidade a David é o mesmo pelo qual as pessoas transgêneras passam na sociedade conservadora que tenta impor seus padrões.

A encenação mescla fatos reais e ficcionais para propor uma reflexão sobre gênero e o direito às escolhas e desejos de cada um, bem como os limites dos tratamentos médicos e psiquiátricos. O grupo faz questão de frisar o respeito pelas diferentes identidades, colocando a pauta, inclusive, na boca de David. Ao final da trama, por exemplo, ao ser questionado em uma entrevista, ele afirma que não é contra a cirurgia de redesignação sexual, se isso for um desejo de uma pessoa que se sente no corpo errado, contrapondo essa possibilidade ao que aconteceu.

Para celebrar a diversidade e contribuir ainda mais com essa discussão, o elenco escolhido traz Augusto Madeira, Daniel Tavares, Giovanni Venturini, Jimmy Wong, Kay Sara, Lavínia Pannunzio, Marcella Maia e Paulo Campos, pessoas com diferentes origens, condições físicas, etnias e identidades de gênero.

O texto começou a ser escrito em 2015, quando Franz Keppler foi contemplado em um edital de dramaturgia do ProAC – Programa de Ação Cultural da Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo. Em 2018, o grupo foi contemplado na 1ª edição do Prêmio Cleyde Yáconis, da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo.

FACE (2)

Brian ou Brenda?

Com Augusto Madeira, Daniel Tavares, Giovanni Venturini, Jimmy Wong, Kay Sara, Lavínia Pannunzio, Fabia Mirassos e Paulo Campos

Duração 100 minutos

Classificação 14 anos

Centro Cultural São Paulo (CCSP) – Sala Jardel Filho (Rua Vergueiro, 1000, Paraíso – São Paulo)

27/09 até 17/11

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 20h

Entrada Gratuita (distribuídos uma hora antes de cada sessão)

 

Viga Espaço Cênico (Rua Capote Valente, 1323, Pinheiros – São Paulo)

25/10 até 17/11

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 19h

$20

HAMLET-EX-MÁQUINA

42 Coletivo Teatral vai estrear a 4ª temporada seu espetáculo “Hamlet-ex-Máquina” no Centro Cultural São Paulo no dia 17 de setembro.  Montagem singular adaptada e dirigida por Érika Bodstein a partir da obra de Heiner Müller, com trechos do original de Shakespeare, a peça é uma performance experimental falada em português, alemão, inglês e espanhol – sem legendas, outra proposição de Müller, uma investigação sobre a natureza do teatro comunicar independente de língua ou linguagem.

A encenação de Érika Bodstein se passa em um bunker, um lugar de resistência para o teatro, que sobrevive apesar de tudo. Lá a peça e os atores sobreviveram às grandes catástrofes que percorrem as histórias de Shakespeare e Müller e do próprio grupo. Dois músicos ao vivo em cena completam o espetáculo. A temporada se estende de 17/09 a 23/10, sempre de terças e quartas às 20h.

Hamlet-ex-Máquina é uma peça sobre a capacidade humana de se transformar diante de suas (pequenas ou grandes) tragédias diárias. Hamlet deve vingar o pai e lutar por justiça. Esse jovem, criado por William Shakespeare, e relido por Heiner Müller, e pelo 42 Coletivo Teatral, usa a arte para lutar contra a corrupção, contra “algo de podre” que existe no “reino da Dinamarca”.

A peça apresenta um novo Hamlet, que está para além da máquina, não é mais um número na engrenagem do sistema, ao contrário, promove reflexões sobre a condição do homem no mundo globalizado.

O espetáculo Hamlet-ex-Máquina foi indicado para IV Edição do Prêmio Aplauso Brasil (referente aos espetáculos do 1˚ Semestre de 2017) nas categorias de arquitetura cênica, trilha sonora e elenco.

42 Coletivo Teatral que se reúne desde 2009, celebra na estréia desta nova temporada seus 10 anos de união e pesquisa, trazendo seu excelente trabalho novamente ao público.

FACE (2)

Hamlet-Ex-Máquina

Com 42 Coletivo Teatral

Centro Cultural São Paulo – Sala Adoniran Barbosa (Rua Vergueiro, 1000 – Paraíso, São Paulo)

Duração 60 minutos

17/09 até 23/10

Terça e Quarta – 20h

$20

Classificação 16 anos

DISTOPIA BRASIL

Núcleo do Pequeno Ato apresenta uma narrativa original anti-utópica inspirada nos problemas sociopolíticos brasileiros atuais no espetáculo imersivo Distopia Brasil, que estreia no Centro Cultural São Paulo (CCSP), no Espaço Cênico Ademar Guerra, no dia 29 de março. O terceiro trabalho do coletivo – depois dos premiados Fortes Batidas e 11 Selvagens.

Com direção de Pedro Granato, a montagem surgiu de um processo criativo colaborativo, no qual o núcleo se debruçou sobre distopias clássicas e contemporâneas, como 1984Fahrenheit 451, Handmaid’s Tale, Blade Runner, Matrix, Laranja Mecânica, Admirável Mundo Novo, Black Mirror, Ensaio sobre a Cegueira e V de Vingança.

Sinto que vivemos a Era de Ouro das distopias, pois muita gente tem consumido e revisitado livros clássicos desse gênero. Entretanto, temos quase sempre uma perspectiva e uma cultura vindas de fora. É difícil entender uma distopia sobre controle absoluto em um Brasil no qual o Estado é cronicamente incompetente; ou sobre o tratamento desumano, pois muitos cidadãos já vivem isso em seu cotidiano graças ao nosso passado escravocrata e com subemprego”, comenta o diretor Pedro Granato, sobre os motivos para criar essa crítica da realidade brasileira.

A ideia era partir dessas obras para criar uma reflexão sobre como seria um futuro sombrio do país se os seus problemas atuais se agravassem. “Quando começamos esse processo, não imaginávamos que o Brasil se deterioraria tão rápido; sabíamos apenas que a situação do país ficaria violenta. O teatro segue na sua profunda impotência diante do macro; o que pretendemos fazer é atuar na escala individual. Que o espectador consiga por um instante entrar em contato com o que pode acontecer e reagir a isso. Pensando nos princípios de Augusto Boal, não trabalhamos com o espectador passivo, que é um mero consumidor daquilo que o agrada ou não. Aqui ele é um agente, tem que responder às provocações e sentir-se impelido a reagir”, explica Granato.

As principais questões sociopolíticas escolhidas para discussão foram: a intervenção militar no Estado, manifestada nas forças de pacificação do exército no Rio de Janeiro, que controlam e ficham os moradores das comunidades periféricas; o avanço do Estado Religioso, representado pelo crescimento da bancada BBB (boi, bíblia e bala) no congresso; o controle e fim da privacidade, que ficaram evidentes nos recentes grampos norte-americanos para políticos brasileiros e na vigilância dos cidadãos comuns exercida pelas novas tecnologias e mídias sociais; e os desastres ambientais, como a crise hídrica que tem ameaçado os reservatórios de água de São Paulo nos últimos anos. Também foram investigados grupos atuais de resistência para tentar imaginar como seria a luta contra esse regime totalitário proposto.

Assim como as peças anteriores do coletivo, Distopia Brasil propõe uma experiência imersiva ao espectador, arrastando-o para dentro da cena. Na entrada, por exemplo, a plateia deve responder perguntas dos interventores e será acomodada em bancos como se estivesse na igreja – ou na fila de espera por um serviço estatal burocrático. Além disso, todos são filmados o tempo todo, participam dos ritos da República Teocrática do Brasil, aplaudem o discurso do líder, rezam e participam do julgamento de um casal de meninas que tentou esconder sua relação para conseguir um visto de saída do país.

Não queríamos fazer um espetáculo discursivo em um país que já está saturado de opiniões e ideias; achamos muito mais interessante fazer uma distopia da qual todos fariam parte. Ou seja, a plateia pode experimentar um pouco o que é um procedimento ditatorial, uma intervenção militar e você ser controlado. Gostaríamos que a plateia sentisse essa experiência – que envolve a angústia e o constrangimento – para entender o real perigo dos discursos radicais que estão ganhando cada vez mais força no país”, comenta.

Para o núcleo, o futuro do Brasil se parece muito com uma mistura do passado e do presente do país, nos quais a justiça é mesclada com a moral religiosa, a escravidão, o machismo e a homofobia são traços marcantes da sociedade e poucos conseguem romper o conforto da passividade. “Começamos a pensar em um futuro para o Brasil e percebemos que os tempos que virão estarão imersos no retorno de coisas horríveis que já aconteceram e de feridas adormecidas. A História não é uma evolução contínua, mas um ciclo de recuos e avanços. Vivemos um momento em que se defende o autoritarismo, a catequização, o preconceito e a perda de salários e direitos trabalhistas. Temos uma ótica medieval e obscurantista sendo retomada, na qual há luta do bem contra o mal e inimigos a serem linchados”, acrescenta.

Ao contrário das distopias clássicas, que trabalham com a ideia de um Estado com avanços tecnológicos inimagináveis, o espetáculo procura focar na face humana da questão. ”Ao invés do progresso da ciência, temos o retorno de uma narrativa religiosa maniqueísta e fantasiosa. Ao mesmo tempo, também trazemos quais são os perigos tecnológicos. A peça não trabalha com iluminação teatral, mas com fontes de luz alternativas e manuais, equipamentos celulares e pequenas câmeras. Com isso, queremos mostrar que essa distopia não está tão distante assim da nossa realidade”, esclarece o diretor.

FACE

Distopia Brasil

Com André Salama, Jade Pereira, Isabela Tortato, Beatriz Silveira, Luisa Galatti, Rafael Abrahão, Felipe Aidar, Juliana Navarro, Bruna da Matta, Alvaro Leonn, Helena Fraga, Renan Pereira, Manuela Pereira, Bruno Lourenço e Leticia Calvosa

Centro Cultural São Paulo – Espaço Cênico Ademar Guerra – Porão (Rua Vergueiro, 1000, Paraíso – São Paulo)

Duração 90 minutos

29/03 até 21/04

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 20h

Ingresso gratuito (distribuídos uma hora antes)

Classificação 12 anos

A ESTRANHA VIDA DE OWIE JONES

Teatro, audiovisual e música são as linguagens que embalam crianças e adultos no espetáculo infantojuvenil ‘A Estranha Vida de Owie Jones’, do Coletivo Marés, em temporada no Centro Cultural São Paulo – CCSP – de 19/01 a 24/02.

Na trama, Owie Jones, uma criança do Planeta Mercúrio, tem uma misteriosa mancha de nascença em seu rosto que é vista como uma vergonha pela sociedade mercuriana. Owie conta com a ajuda de seus amigos gêmeos – Beth e Bob Kook – para desvendar mistérios enquanto esperam a chegada de Tia Sunny, uma viajante das galáxias.

Inspirado na vida e nas obras de David Bowie, o Coletivo aborda de forma lúdica temas como o combate ao bullying e a aceitação às diferenças, utilizando melodias dos hits mais famosos de Bowie e letras adaptadas ao enredo da turma de Owie Jones que prometem conquistar a todos com muito bom humor. “Com esse espetáculo, buscamos mesclar duas artes que sempre nos motivaram, o audiovisual e o teatro. O rock’n roll veio como um tempero para unir tudo e agradar todas as famílias.” diz Rafael Martín França, diretor do espetáculo.

O espetáculo foi produzido em 2018 através de edital do PROAC do Estado de São Paulo e levou centenas de crianças de escolas públicas para conhecerem a magia do teatro.

SINOPSE

Mercúrio nunca mais foi o mesmo desde a chegada de Owie Jones. Um enorme meteoro colidiu com o planeta no momento exato de seu nascimento, e uma luz muito forte atravessou seu rosto, deixando uma misteriosa mancha que é vista como uma vergonha pela sociedade Mercuriana. Com seus amigos Beth Kook e Bob Kook, Owie forma uma banda de rock, “A Grande Banda Mercuriana”. Juntos, desvendam mistérios enquanto aguardam a chegada de Tia Sunny, que está viajando pelas galáxias.

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A Estranha Vida de Owie Jones

Com Debora Zanluca, Leticia Tavares, Rafael Martín França e Tabata Moraiz.

Centro Cultural São Paulo (Rua Vergueiro, 1000 – Paraíso, São Paulo)

Duração não informada

19/01 até 24/02

Sábado e Domingo – 16h

$20

Classificação Livre

JORNADA DE UM IMBECIL ATÉ O ENTENDIMENTO

Montada apenas três vezes, todas dirigidas pelo saudoso João das Neves (1935-2018), a peça Jornada de um Imbecil até o Entendimento, de Plínio Marcos (1935-1999), ganha nova encenação, com direção de Helio Cicero. O espetáculo estreia no dia 9 de novembro, sexta-feira, às 21h, no Centro Cultural São Paulo (CCSP) – Espaço Cênico Ademar Guerra, e segue em cartaz até 16 de dezembro. O elenco é formado por Jairo Mattos, Fernando Trauer, Fernanda Viacava, Rogério Brito e Douglas Simon, além do próprio diretor.

A comedia circense narra as articulações e malandragens de seis vagabundos – Mandrião, Teco, Manduca, Popô, Pilico e Totoca – que sobrevivem pedindo dinheiro nas ruas e becos de uma cidade grande. Apenas Mandrião e Pilico têm chapéus para pedir esmolas, sendo que o primeiro com a ajuda do Teco, uma espécie de secretário, contrata – ou praticamente escraviza – os demais pedintes, respaldados por uma falsa crença criada por um deles.

Mandrião e Teco armam um plano para acabar com Pilico, porque eles descobrem que o concorrente estaria tentando trazer os outros pedintes para seu lado. No meio dessa disputa, os empregados Manduca, Popô e Totoca analisam as vantagens que vão ganhar ao se aliar a cada um desses dois lados.

A encenação caracteriza todos os personagens como palhaços e explora a linguagem do realismo fantástico. “Esta é uma forma de homenagear Plínio Marcos, porque, antes de mais nada, ele era um palhaço. A linguagem clownesca está na estrutura do texto, com as características clássicas do universo clown, no qual as duplas aparecem com suas figuras típicas e referências. A opção pelo realismo fantástico do diretor Helio Cicero foi feita porque a única forma de contar essa história é através da poesia, já que a realidade é tão crua e dura e se supera a cada dia”, revela o ator e idealizador do espetáculo Fernando Trauer.

Ainda segundo Trauer, a ideia de montar o espetáculo surgiu quando leu o texto publicado na Coleção Plinio Marcos, Obras Teatrais, de Alcir Pécora. “A linguagem do Teatro do Absurdo; as referências explícitas a Esperando Godot [de Samuel Beckett], Ionesco e Brecht; a atualidade de um texto de 50 anos, que reflete o momento político no qual vivemos, nos níveis político, social, econômico e jurídico; e o fato de a peça fugir muito das tradicionais características conhecidas do Plínio são motivos que me despertaram o interesse”, diz.

A própria realidade brasileira atual serviu como fonte de inspiração. “As referências são diárias sobretudo em época de eleições: a história recente do país, os conchavos políticos, o Poder Judiciário, a dominação religiosa, a nossa São Paulo brasileira de tanta miscigenação, sujeira e belezas misturadas, a pobreza e as riquezas antagônicas. Além disso, adotamos a palhaçaria com suas referências clássicas, o universo do artista das ruas e a análise do indivíduo social e suas mazelas e belezas que o fazem humano”, comenta Trauer.

A montagem é ambientada em uma estação de trem abandonada, com trilhos disformes que levam a diferentes caminhos – esta é uma forma de homenagear João das Neves e seu maior espetáculo, O Último Carro. “O porão do Centro Cultural São Paulo contribui para a estrutura cenográfica, criando uma atmosfera de desolação, na qual a reutilização é palavra de ordem nos trilhos de uma estação de trem abandonada, cujas direções levam e trazem a lugares que foram ou poderiam ter sido alternativas. Com forte influência de Banksy, retrataremos um pouco das ruas e da realidade que nos cerca”, esclarece o diretor Helio Cicero.

Assim como o cenário também criado pela Luiza Curvo, os figurinos estão sendo confeccionados com materiais recicláveis como plástico, cápsulas de café, retalhos de tecidos e sobras do mercado industrial, em contraponto aos trajes sociais dos cinco estagiários oriundos do Projeto Vocacional da Prefeitura Municipal de São Paulo, que além de receberem o público, interferirão nas cenas. A Iluminação de André Lemes segue o mesmo conceito, com o uso alternativo de fontes de luz criando o efeito necessário do realismo fantástico. As músicas sob direção de Dagoberto Feliz serão cantadas pelos atores e pelo coro de estagiários, proporcionando uma partitura contemporânea ao texto do Plínio”, acrescenta o encenador.

Indicada ao Prêmio Molière em 1968, a montagem icônica de João das Neves para a obra aconteceu no teatro Opinião, no Rio de Janeiro, com Milton Gonçalves, Ary Fontoura, José Wilker, Denoy de Oliveira, Jorge Cândido e Teca Calazans no elenco. As outras duas encenações ocorreram em 1969, no Teatro Maria Della Costa, em São Paulo, e em 1970, no Teatro Arena, em Porto Alegre.

1969=

Mesa de debates

O espetáculo é uma atração do projeto Plínio Marcos, uma Realidade da São Paulo Brasileira, que ainda prevê bate-papos e ciclo de leituras. Uma mesa redonda (em data a ser definida) vai contar com participação de Maria Thereza Vargas, Alcir Pécora, Oswaldo Mendes e Kiko Barros.

Na ocasião, também acontece o lançamento do documentário Jornada de um Imbecil, 50 anos de Entendimento, que comemora a primeira montagem da peça de Plínio MarcosA peça de 1968, tinha Milton Gonçalves, Ary Fontoura, José Wilker, Denoy de Oliveira, Jorge Cândido e Teca Calazans, no elenco. O filme também marca a última entrevista dada pelo diretor João das Neves.

CARMEN

Jornada de um Imbecil até o Entendimento

Com Jairo Mattos, Fernando Trauer, Fernanda Viacava, Rogério Brito, Douglas Simon e Helio Cicero e Luiza Curvo

Centro Cultural São Paulo – Espaço Cênico Ademar Guerra (Rua Vergueiro, 100 – Paraíso, São Paulo)

Duração 130 minutos

09/11 até 16/12

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 20h

$30

Classificação 14 anos

FUENTE OVEJUNA

Núcleo Sem Querer de Tentativas Teatrais adapta o clássico Fuente Ovejuna, do dramaturgo espanhol Lope de Vega (1562-1635). Voltado aos jovens, o espetáculo foi indicado ao Prêmio Shell 2017 na categoria Melhor Música. Espetáculo faz nova temporada no CCSP de 2 a 31 de outubro, terças e quartas às 20h.

Com direção de Juliano Barone, adaptação e tradução de Marcus Daud e direção musical de Wagner Passos, a peça narra o drama dos cidadãos do pacato vilarejo Fuente Ovejuna, que sofrem com a tirania e as injustiças de um jovem comandante que foi enviado ao local para protegê-lo de possíveis ameaças. O abuso de poder e as desonras desse tirano provocam a revolta dos moradores da vila, que clamam por vingança e tentam fazer justiça com as próprias mãos. A trama é inspirada em eventos reais.

A ideia da encenação é criar uma discussão sobre o poder feminino, o machismo, o autoritarismo, os crimes de ódio atuais, as estruturas sócio-econômicas-sociais e a justiça popular. O trabalho é a segunda parte da “Trilogia da Taverna”, uma sequência de clássicos da dramaturgia encenados em uma instalação criada pelo multiartista Kleber Montanheiro. Esse espaço cênico simula um autêntico bar medieval, onde os espectadores dividem espaço com o cenário, os atores e os músicos. A primeira peça do projeto foi “O Impostor Geral”, do russo Nikolai Gogol.

O elenco é composto pelos atores Dudu Oliveira, Juliane Arguello, Marieli Goergen, Marcus Veríssimo, Monique Fraraccio, Pedro Casali, Alexandre Paes Leme, Pipo Belloni, Priscilla Dieminger, Thiago Azevedo, Luiz Amorim, Lucas Lentini, Lino Colantone e a musicista Lisi Andrade.

SINOPSE: A peça narra o drama dos cidadãos do pacato vilarejo Fuente Ovejuna (“fonte das ovelhas”, em português), que sofrem com a tirania e as injustiças de um militar, um jovem comandante que foi enviado ao local para protegê-los de possíveis ameaças. O abuso de poder e as desonras desse tirano que maltrata a população, provocam a revolta dos moradores da vila, que clamam por vingança. É uma peça sobre política. Tem a ver com o Absolutismo da época, mas também tem a ver com os dias atuais.

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Fuente Ovejuna

Com Dudu Oliveira, Juliane Arguello, Marieli Goergen, Marcus Veríssimo, Monique Fraraccio, Pedro Casali, Alexandre Paes Leme, Pipo Belloni, Priscilla Dieminger, Thiago Azevedo, Luiz Amorim, Lucas Lentini, Lino Colantone e a musicista Lisi Andrade

Centro Cultural São Paulo – Sala Adoniran Barbosa (Rua Vergueiro, 1000 – Paraíso, São Paulo)

Duração 110 minutos

02 a 31/10

Terça e Quarta – 20h

$20

Classificação 16 anos.