AMAR, VERBO INTRANSITIVO

Escrito em 1927 e considerado o primeiro romance do escritor modernista Mário de Andrade (1893-1945), Amar, Verbo Intransitivo ganha uma adaptação teatral com dramaturgia de Luciana Carnieli e direção de Dagoberto Feliz. O espetáculo estreou em maio na Oficina Cultural Oswald de Andrade e volta em cartaz no Teatro Eva Herz, na Livraria Cultura do Conjunto Nacional, para uma temporada às quintas-feiras, às 21h, de 11 de julho a 26 de setembro.

A trama narra a história da governanta Fräulein Elza (interpretada pela própria Luciana Carnieli), que é contratada por uma família tradicional paulista nos anos de 1920 para fazer a iniciação amorosa e sexual de Carlos (vivido por Pedro Daher), o primogênito herdeiro. A partir desse encontro, os personagens vivem uma relação amorosa, revelando críticas sociais e comportamentais.

Leitor da alma feminina, Mário de Andrade constrói uma protagonista que se destaca por sua multiplicidade. A governanta, professora de línguas, de piano e de amor deixa a terra onde nasceu, a Alemanha, e torna-se sujeito de seu próprio destino em território brasileiro. Uma prostituta alemã inserida na sociedade aristocrática de disfarces. A protagonista, apesar de estar colocada no contexto histórico do início do século XX, é ideal para discutir o constante papel de subordinação da mulher na sociedade burguesa e patriarcal.

Escolhi esse romance porque gosto muito da literatura de Mário de Andrade. Ele construiu uma personagem muito complexa, fascinante, redonda e vertical e eu tive muita curiosidade de me lançar nesse trabalho. Apesar de se passar nos anos de 1920, o romance espelha muito a nossa sociedade atual, na qual a mulher é subordinada ao homem o tempo todo. Por mais que Fräulein tenha sua dignidade e seja intelectualmente e culturalmente superior àquela família, é tratada como um ser inferior – não só pelo fato de ela ser prostituta, mas por ser mulher. Na história, vemos claramente que a sociedade paulistana, a aristocracia e a burguesia não mudaram nada”, revela a atriz Luciana Carnieli, que idealizou a montagem.

A encenação tem como foco central o jogo cênico entre os dois atores, que narram a história e simultaneamente interpretam os personagens. Assim, a linguagem cênica se alterna entre narração e dramatização.

A ação transcorrerá em um cenário que simula um estúdio cinematográfico. As partes dramatizadas acontecerão como se estivessem sendo filmadas, acrescentando mais um degrau à história e à linguagem do espetáculo. Literatura, teatro e cinema se intercalam nessa transposição do romance para o palco.

A criação dos figurinos conta com elementos essenciais e necessários para a construção desse universo. A música e a iluminação também darão suporte para retratar o ambiente de aparências e a sociedade patriarcal em que estão inseridos os personagens.

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Amar, Verbo Intransitivo

Com Luciana Carnieli e Pedro Daher

Teatro Eva Herz – Livraria Cultura do Conjunto Nacional (Avenida Paulista, 2073 – Cerqueira César, São Paulo)

Duração 70 minutos

11/07 até 26/09

Quinta – 21h

$50

Classificação 12 anos

APARECIDA, UM MUSICAL

O musical APARECIDA, com texto de Walcyr Carrasco e direção de Fernanda Chamma reestreia no Teatro Prevent Senior, a partir de 6 de julho, sábado, às 20h.  As sessões acontecem às quintas e sextas, às 20h, e sábados e domingos, às 16h, até 29 de setembro.

O espetáculo já foi visto por mais de 50 mil pessoas em sua primeira temporada no Teatro Bradesco. Com um elenco de 33 artistas, 20 canções originais, dezenas de figurinos e cenários grandiosos, a peça conta a história de Nossa Senhora Aparecida, um dos maiores símbolos de fé dos brasileiros há mais 300 anos, cujo santuário recebe mais de 17 milhões de fiéis por ano.

O espetáculo tem música original e direção musical de Carlos Bauzys, letras de Ricardo Severo, cenografia de Richard Luiz, figurinos de Fábio Namatame, desenho de luz de César de Ramires, desenho de som de Gabriel D’Angelo e produção da MPCult.

Nossa Senhora Aparecida faz parte do cotidiano de milhões de brasileiros. A fé, a coragem, e a solução de pequenos e grandes problemas vêm da devoção criada em torno de sua adoração“, comenta Walcyr Carrasco sobre os motivos que o levaram a escrever a obra. Além dos milagres conhecidos e outras passagens importantes, Walcyr se inspirou em uma história contemporânea real para mostrar ao público um exemplo onde a crença proporciona as transformações humanas mais difíceis. “Eu estava em busca de um milagre atual, que reafirmasse a fé. Ao conhecer o casal que protagoniza a história, me entusiasmei por não criar um espetáculo simplesmente histórico”, revela o dramaturgo.

O ponto de partida da trama é a história do casal Caio (Julio Assad), um advogado ambicioso e sua esposa Clara (Bruna Pazinato), na São Paulo dos dias de hoje. Com a esperança de curar Caio, que perde a visão por causa do tratamento de um câncer, os jovens embarcam em uma jornada de descobrimento espiritual que culmina em uma ida até a basílica da Padroeira do Brasil. Paralelamente, é narrada a história da pequena estátua de Nossa Senhora Aparecida, descoberta em 1717, desde uma pequena capela em Itaguaçu (interior de São Paulo) até a grandiosa Basílica na cidade de Aparecida.

Para a diretora e coreógrafa Fernanda Chamma, o trabalho explora bastante a interação do elenco com a cenografia. “Usamos uma movimentação cênica contemporânea, por todo palco executada pelos bailarinos durante todo o espetáculo”, explica.

A história é contada com emocionantes músicas originais de Carlos Bausys, com letras compostas por Ricardo Severo. “A partir do texto do Walcyr, propus manter uma parte das canções inspiradas no melodrama e uma outra mais épica. Acho que um grande diferencial de nosso musical original está nas letras, que trazem um discurso mais próximo da estética da canção brasileira, e não tão direto como nos musicais com estética da Broadway. Todas as letras foram compostas a partir de uma pesquisa intensa que fiz sobre a história de Nossa Senhora Aparecida, de seus milagres, sua mitologia, e dos significados e mensagens por trás de cada momento”, explica Severo.

Os arranjos, de acordo com Bauzys, misturam sonoridades diferentes: “Como a própria figura da Nossa Senhora, que abrange a enorme riqueza de toda a cultura brasileira, as melodias e harmonias do espetáculo são bem ecléticas”, fala o diretor musical.

Inspirada na arquitetura da Basílica de Aparecida, a cenografia mescla estruturas físicas grandiosas com projeções de vídeo mapeadas. Ao todo são 23 mudanças de cenários, com 15 vídeos produzidos para o musical. Além dessa cenografia inovadora, o musical tem vários efeitos especiais e tecnológicos.

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Aparecida, um musical

Com Julio Assad, Bruna Pazinato, Edson Montenegro, Ditto Leite, Rogério Edmundo Vitor, Conrado Helt, Vanessa Mello, Joyce Cosmo, Ana Luiza Ferreira, Hellen de Castro, Maurício Xavier, Rubens Caribé, Marco Azevedo, Guilherme Pivetti, Danilo Martho, Ana Araújo, Vinícius Loyola, Lucas Cândido, Alessandra Vertamatti, Nábia Vilela, Carla Vazquez, Isabela Castro, Gigi Debei, Alberto Venceslau, Nina Sato, Guilherme Pereira

Teatro Prevent Senior (Rua Coropé, 88 – Pinheiros, São Paulo)

Duração 135 minutos

06/07 até 29/09

Quinta e Sexta – 20h, Sábado e Domingo – 16h

$120/$220

Classificação Livre

FESTA DE INAUGURAÇÃO

Em 2011, durante uma manutenção no salão verde do Congresso Nacional que consistia em quebrar paredes para se descobrir as causas de um vazamento, foram encontradas frases escritas pelos operários responsáveis pela construção do prédio, inaugurado em 1960. As mensagens, que previam um futuro melhor para o país e a crença nas instituições democráticas do Brasil, foram lidas pelos integrantes da companhia brasiliense Teatro do Concreto como uma das inúmeras narrativas criadas ao longo do tempo que só são reveladas a partir de um processo de destruição. Com dramaturgia de João Turchi e direção de Francis Wilker, o espetáculo Festa de Inauguração estreia dia 30 de maio, quinta-feira, 21h30, no Sesc Pompeia.

Construída sem tomar como base a noção de personagens ou de começo-meio-fim, Festa de Inauguração tem uma dramaturgia tecida a partir das falas e narrativas que não são reveladas espontaneamente, mas sim através da destruição. “Notamos que no percurso da humanidade, nas artes e nas trajetórias pessoais, existem narrativas soterradas que precisam vir à tona e, normalmente, esse processo acontece por meio da destruição”, diz Francis Wilker, diretor da montagem.

Para Wilker, o gesto de destruir ganha novas camadas e pode ser lido como uma metáfora para desmontes de políticas públicas, silenciamento de grupos minoritários, revisionismos históricos e reflexão sobre a história da arte. Esse ponto de partida foi endossado por uma série de seminários promovidos pela companhia que reuniu sociólogos, arquitetos, artistas visuais, rappers e dramaturgos para dialogarem sobre a possibilidade de se “ler” a cidade como um livro.

Nos dedicamos a pensar na cidade como algo repleto de textos que precisam ser lidos, de discursos que precisam vir à tona”, diz o diretor, ressaltando que essa pesquisa fez com que Festa de Inauguração não fosse uma peça que falasse pelos operários ou sobre o processo de construção de Brasília, mas sim que esses fossem os elementos disparadores de uma série de reflexões sobre o ato de destruir e reconstruir – ciclo constante na humanidade.

João Turchi, artista goiano que reside em São Paulo, apesar de já ter trabalhado com Francis Wilker, escreve pela primeira para o Teatro de Concreto. Na construção dramatúrgica, Turchi decidiu dar luz à questão da história como algo que sempre foi manipulado pelo homem. “Esses textos encontrados em Brasília apontavam uma possibilidade de futuro pensada por esses trabalhadores – podemos associar essas imagens às inscrições rupestres de uma caverna, por exemplo. O que esses registros têm a nos dizer nos dias de hoje? Como contar isso a outro? Quais são as possíveis narrativas que existem aí?”, questiona.

A partir dessa provocação e das características que já são comuns ao grupo, como uma relação direta com a plateia e criação de peças que não se resumem a um só espaço cênico, Festa de Inauguração começa nas imediações do Sesc Pompeia. Dessa forma, a peça cria as metáforas a partir de um olhar arqueológico, onde o fim representa a continuidade de um ciclo que irá gerar novas leituras sobre o que foi destruído.

Sobre a experiência de dar a largada na primeira temporada em São Paulo, Francis Wilker espera trazer para a cidade as marcas que mais consagram a história do Teatro do Concreto, como a relação com o espaço alternativo e sua conexão com a cidade. “Brasília é uma cidade urbana, onde há muito concreto, e nosso grupo nasce sob essa égide”, conta. O diretor também destaca o fato de a companhia sempre trabalhar a partir de textos inéditos e das montagens dialogarem com a performance e não com um modelo tradicional de teatro.

Festa de Inauguração tem ainda cenário e figurino assinados por André Cortez, luz de Guilherme Bonfanti, do Teatro da Vertigem; e elenco composto por Gleide Firmino, Micheli Santini, Adilson Diaz e Diego Borges.

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Festa de Inauguração

Com Gleide Firmino, Micheli Santini, Adilson Diaz, Diego Borges

SESC Pompéia – Espaço Cênico (R. Clélia, 93 – Água Branca, São Paulo)

Duração 80 minutos

30/05 até 23/06

Quinta, Sexta e Sábado – 21h30, Domingo e Feriado – 18h30

$20 ($6 – credencial plena)

Classificação 18 anos

BEATLES BIG BAND

Conhecidos Brasil afora por circular com os dois shows do projeto Beatles Para Crianças, os músicos e arte-educadores Fabio Freire, Gabriel ManettiEduardo PuperiJohnny Frateschi Humberto Zigler agora colocam foco no público adulto. Embalando as músicas do quarteto de Liverpool ao ritmo do blues e do jazz, o show Beatles Big Band faz sua estreia nacional no Teatro MorumbiShopping para temporada de 6 a 27 de junho, com sessões às quintas-feiras, às 21 horas.

No formato de big band, o show, com clássicos da banda de Liverpool, reúne no palco 10 músicos, sob a regência do maestro e pianista Eduardo Puperi, além da cantora Cláudia Bossle – intérprete conhecida do Jazz e da Bossa Nova na noite paulistana. “A voz dela deu um baita brilho“, comenta Fabio Freire. Estreia no ano em que o Beatles Para Crianças completa cinco anos e que o disco Abbey Road, um dos mais icônicos dos Beatles, faz 50.

O show abre com uma versão de Sargent Peppers Lonely Hear ts Club Band e prepara o público para clássicos imperdíveis da carreira dos Beatles – A hard day’s nightCan’t buy me love e Ticket to ride, entre outras. Outras versões recriadas para big band sãoSomething, BlackbirdLet it be e Hey Jude.

Além dos integrantes da formação original do BPC (Beatles Para Crianças), o grupo terá reforço de um quarteto de sopros (sax tenor, sax alto, trombone e trompete) para recriar arranjos da banda. No palco serão: Fabio Freire (voz e guitarra), Gabriel Manetti (voz),Edu (Ludi) Puperi (piano e vocais), Johnny Frateschi (baixo e vocal), Humberto Zigler (bateria), Luís Passos (guitarra), Chiquinha de Almeida (sax tenor, sal alto e flauta), Pedro Vithor (sax tenor e sax alto), Joabe (trombone) e Bruno Belasco (trompete).

Todos os integrantes já haviam trabalhado juntos em formação de big band em shows, festas e eventos. Dessa vez, os artistas uniram-se para recriar algumas das músicas mais famosas dos Beatles. “Fizemos releituras que não ficam restritas só ao rock. Também há muitas citações de jazz e de blues”, adianta Fabio Freire. Como exemplo, o artista cita A Hard Day’s Night, que ganhou arranjo jazzístico para os shows no Teatro MorumbiShopping.

Os shows mantém a marca registrada dos artistas, que é a interação com o público, sempre estabelecida com bom-humor e informalidade. Entre as canções, Fabio e Gabriel compartilham histórias sobre os Beatles, desde curiosidades até informações sobre como foram gravadas as canções do repertório do show.

O set list prioriza clássicos como Sargent Peppers Lonely Hearts Club BandCan’t Buy me LoveTicket to RideLet it Be Hey Jude. Fabio conta que também estão incluídas músicas dos Beatles que não entraram no repertório dos shows do Beatles Para Crianças, como Come Together eEleanor Rugby. “São músicas mais pesadas que não combinam com o clima do infantil, mas que casa com o formato de big band”, conta Fabio.

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Beatles Big Band

Com Fabio Freire, Gabriel Manetti, Cláudia Boosle, Edu (Ludi) Puperi, Johnny Frateschi, Humberto Zigler, Luís Passos, Dado Magnelli, Pedro Vithor, Joabe Reis e Bruno Belasco

Teatro MorumbiShopping (Av. Roque Petroni Júnior, 1089 – Jardim das Acácias, São Paulo)

Duração 70 minutos

06 a 27/06

Quinta – 21h

$60ShoShow

Classificação 12 anos

TERRENAL – PEQUENO MISTÉRIO ÁCRATA

Com direção de Marco Antônio Rodrigues o espetáculo Terrenal – Pequeno Mistério Ácrata volta ao cartaz no Teatro Raul Cortez para temporada de 6 de junho a 25 de julho. As sessões acontecem às quintas-feiras, 21h com ingressos por R$50 e R$25 (meia entrada).

Baseado na história bíblica de Caim e Abel, dois irmãos que vivem às brigas competindo tanto pela atenção do “pai” quanto pela propriedade, é o argumento de Terrenal – Pequeno Mistério Ácrata. O texto original de Mauricio Kartun – considerado um dos mais importantes dramaturgos da Argentina e uma referência no teatro latino-americano – tem tradução de Cecília Boal. No elenco, Celso FrateschiSergio SivieroDagoberto Feliz e Demian Pinto (músico). A trilha é tocada ao vivo pelo músico e pelos atores em diversos instrumentos: piano, teclado, sanfona, ukulelê, guitarra, saxofone e flauta transversal.

Por meio de uma linguagem cênica que prioriza a comicidade Terrenal poetiza sobre a história de ódio entre dois irmãos para falar metaforicamente dos conflitos sociais. O texto bíblico do livro de Gênesis narra o que é considerado o primeiro assassinato do mundo, mas Mauricio Kartun aproveita este mito e vai além – usa esta potência do conflito para falar de assuntos em pauta que envolvem justiça, propriedade, violência e visão de mundo.

O texto prende, surpreende e diverte muito, discute a origem da propriedade privada e a produção (contra o uso livre da natureza, o nomadismo de Abel), a acumulação do capital, o comércio e o uso da violência (para a própria defesa) que reverbera e nos lembra muitos sons e vozes do presente.

Na montagem dirigida por Marco Antônio Rodrigues, os atores são artistas populares que com recursos circenses encenam um espetáculo sobre Caim e Abel. Reflexo contemporâneo de nossa sociedade, um Caim (Dagoberto Feliz) fixado em sua terra, acumulador de bens e moral e um Abel (Sergio Siviero) nômade, sem muitas ambições além de ‘pastorear’ suas minhocas, o paradoxo do irmão. Tata (Frateschi) é o pai de ambos, dual, carrega em si o caráter libertário e opressor, é aquele que os abandonou por 20 anos, mas também é aquele que volta e festeja.

Na sociedade virtualizada, digital, mitos, fábulas e narrativas ocupam espaço central nas nossas vidas, e não raro, manipulam mentes e corações, subtraindo a memória e a história, distorcendo destino de nações e povos. Terrenal é neste sentido, uma obra otimista, porque repõe a lenda dos dois irmãos como um microcosmo das relações sociais e contemporâneas”, explica o diretor Marco Antônio Rodrigues.

Conflitos em Cena

O enredo desta tragicomédia parte da história de dois irmãos que habitam o mesmo terreno, comprado pelo pai. A princípio considerado um ‘paraíso’, o pedaço de terra está situado em um vilarejo. A história se passa em um domingo (dia santo), que marca também vinte anos de sumiço de Tata, o pai, que os abandonou ainda pequenos. O dia começa com os irmãos em conflito: Caim cumpre o mandamento de descansar, enquanto Abel só trabalha justamente aos domingos, vendendo iscas, besouros e minhocas para os vizinhos irem à pesca.

Caim produz pimentões, dedica-se à produção e ao comércio e usa isso como motivo de orgulho para tripudiar sobre o irmão – ele é aquele que em um futuro próximo erguerá cidades cheia de muros para defender o patrimônio. Abel não tem apego à terra, é um nômade sonhador, cultiva o ócio e usufrui das delícias da vida.

A dramaturgia de Mauricio Kartun

Com mais de quatro décadas de carreira, desde sua estreia, com Civilización… ¿o barbarie? (1973), Mauricio Kartun tem realizado trabalhos marcados pelo compromisso com a atualidade política de seu país, além de um texto que flerta com a mitologia clássica. Terrenal foi traduzido para o português por Cecília Boal, viúva de Augusto Boal, principal liderança do Teatro de Arena (SP) na década de 1960, criador do teatro do oprimido, metodologia internacionalmente conhecida que alia teatro e ação social.

O dramaturgo fez parte do grupo teatral argentino El Machete, que encenou em 1973 na extinta Sala Planeta em Buenos Aires a peça Ay, Ay! No hay Cristo que aguante, no hay! adaptação de Revolução na América do Sul, com a direção de Augusto Boal.

Boal e Kartun mantiveram uma intensa relação de trabalho durante o período do exílio de Boal na Argentina. Ambos compartilhavam as mesmas preocupações pelos nossos países dominados. Terrenal, a terra, que é e não é um paraíso, nos propõe uma versão dialética do episódio bíblico, a eterna luta dos irmãos que sempre acaba em morte, a impossível missão de destruir o diferente”, fala Cecília Boal.

Desde a sua estreia em terras portenhas em 2014, Terrenal tem se mostrado um fenômeno da cena teatral independente da argentina. São mais de 65 mil espectadores e dezenas de premiações, como os argentinos Prêmio de Crítica da Feira do Livro, pelo texto, e o Prêmio da Associação de Cronistas de Espetáculos (melhor obra). O Instituto Augusto Boal é o idealizador e a Associação Cultural Corpo Rastreado e a DCARTE são coprodutoras do espetáculo.

Para Marco Antônio Rodrigues, a criação de Kartun parte de um acontecimento conectando-o a outras imagens, de forma a examinar de onde viemos e como hoje aqui chegamos. “Na refabulação de Kartun, os dois irmãos esperam o retorno do pai, que há vinte anos os abandonara num loteamento em uma conurbação urbana. Quando o pai chega, Caim, na ânsia de agradar a Deus, mata o irmão como ato de amor – sua compreensão distorcida o perde, já que para ele, na mais pura tradição religiosa, só oferendas de sangue, só o sacrifício do cordeiro tem pacífica e cabal eficácia.

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Terrenal – Pequeno Mistério Ácrata

Com Celso Frateschi, Dagoberto Feliz, Sérgio Siviero e Demian Pinto

Teatro Raul Cortez (Rua Doutor Plínio Barreto, 285, Bela Vista – São Paulo)

Duração 90 minutos

06/06 até 25/07

Quinta – 21h

$50

Classificação 16 anos

TRÁFICO

Seguindo a linha da auto ficção em que o dramaturgo franco-uruguaio Sergio Blanco vem se destacando há alguns anos, seu mais recente texto teatral, Tráfico, é um monólogo sobre um jovem garoto de programa da periferia de uma cidade latino-americana que vai aos poucos se envolvendo no mundo dos assassinos contratados.

Tendo como único suporte cênico a presença de sua moto esportiva Yamaha FZ6R, o texto narra as aventuras de Alex, seus encontros e desentendimentos com seus clientes e especialmente a relação com um cliente que ele chama de “O francês” e que aos poucos o leva para dentro de uma complexa história manchada por crimes.

À medida que a peça avança e a partir do vínculo passional de Alex com um dramaturgo que está escrevendo um texto sobre o personagem bíblico de Judas Iscariotes, o relato vai acessando as zonas mais escuras da vida de Alex, que paralelamente ao seu trabalho de garoto de programa, vai se transformando em um assassino de aluguel. Pouco a pouco começa a surgir assim uma trama fascinante que mescla a narração erótica de seus encontros sexuais com seus clientes com a narração macabra de seus encontros violentos com as pessoas que ele foi contratado para matar. Desta forma, Tráfico se constrói com um texto onde os erros e a morte começam a aparecer como as duas caras de uma mesma moeda: a vida agitada e intensa de nosso herói.

Alternando simultaneamente dois dos modos de enunciação solitária que são a narração e a confissão, Tráfico é um trajeto fascinante e arriscado que aos poucos nos adentra no labirinto confuso do “eu”, da linguagem e do tempo, ao mesmo tempo que aborda temas como a criação, a solidão, a sexualidade, o vício, a separação, a falta de esperança, a beleza, a traição, o negócio e a transação nos tempos que correm…

Escrita em 2018, especialmente para o ator colombiano Wilderman García Buitrago, – que Sergio Blanco conheceu no mesmo ano na cidade de Bogotá depois de tê-lo como coordenador responsável em um de seus seminários – Tráfico se prepara para ser uma das estreias mais esperadas da temporada de 2019.

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Tráfico

Com Wilderman García Buitrago

SESC Vila Mariana (R. Pelotas, 141 – Vila Mariana, São Paulo)

Duração 100 minutos

10 e 11/04

Quarta e Quinta – 21h

$30 ($9 – credencial plena)

Classificação 16 anos

AS CANGACEIRAS, GUERREIRAS DO SERTÃO

As Cangaceiras, Guerreiras do Sertão é uma fábula inspirada nas mulheres que seguiam os bandos nordestinos, que atuavam contra a desigualdade social da região.

O musical conta a história de um grupo de mulheres que se rebelam contra mecanismos de opressão que encontravam dentro do próprio cangaço.

Além de reflexões sobre o conceito de justiça social que o cangaço representava, o espetáculo reflete sobre as forças do feminino nesse espaço de libertação e sobre nossa ideia de cidadania e heroísmo.

As canções originais foram compostas por Fernanda Maia (música) e Newton Moreno (letras), inspirados em ritmos da cultura nordestina. “Nas canções usei várias referências da música nordestina e tive uma abordagem afetiva desse material, por ser filha de paraibano e por ter morado no Nordeste enquanto fazia faculdade de música. Nessa época, pude entrar mais em contato com a cultura do Nordeste, que é de uma riqueza ímpar, cheia de personalidade, identidade, poesia e, ao mesmo tempo, muito paradoxal. Esse trabalho foi a união das vozes de todos. Não há como receber um texto de Newton Moreno nas mãos e não se encantar com o universo que existe ali”, conta Fernanda Maia.

Além dos atores cantarem em cena, o espetáculo traz cinco músicos para completar a parte musical (baixo, violão, guitarra, violoncelo e acordeão). Texto e música se misturam, palavra e canto se complementam, como se tudo fosse uma única linha dramatúrgica. “Optamos por uma narrativa que realmente seja uma continuação da cena e não um momento musical que pare para celebrar, ou para criar umas aspas dentro da história. Isso só é possível com canções compostas para o espetáculo. Buscamos um DNA totalmente brasileiro para a peça, tanto na embocadura, na fala, na construção do texto, como na interpretação dos atores. Não tem um modelo importado, não tem uma misancene importada, é uma investigação a partir de códigos que pertencem a uma estética do nosso país e do teatro brasileiro”, comenta o diretor Sérgio Módena.

Um pouco da trama

Uma das grandes características dessa dramaturgia é seu caráter fabular e não de uma reprodução histórica e factual do que foi o Cangaço e o próprio Nordeste brasileiro da época.

O enredo começa quando Serena (personagem de Amanda Acosta) descobre que seu filho, que ela acreditava ter sido morto a mando do marido, Taturano (personagem de Marco França), está vivo. Ela, então, larga seu grupo do Cangaço, chefiado por Taturano, para partir em busca de seu bebê. Neste momento ela não tem a dimensão de que sua luta para encontrar o filho se tornará uma luta coletiva, maior que seu problema pessoal. Outras mulheres que formavam o bando se engajam nessa batalha, além de futuras companheiras que cruzam seu caminho.

Segundo a atriz Amanda Acosta a peça  “é o grito de libertação que estas mulheres não puderam dar, mas que darão agora através desta obra escrita pelo nosso grande dramaturgo Newton Moreno. Grito que fala sobre coragem, amor, empatia, união, insurreição e liberdade”.

A partir do momento que essa dramaturgia traz um bando de mulheres, que é algo que nunca ocorreu, temos uma liberdade para abrir várias janelas de reflexão, inclusive, fazendo um paralelo com o que estamos vivendo hoje. É uma reflexão sobre o sistema de opressão, no caso a mulher, mas você pode estender para qualquer camada social que está ali sendo historicamente oprimida”, completa o diretor.

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As Cangaceiras, Guerreiras do Sertão

Com Amanda Acosta, Marco França, Vera Zimmermann, Carol Badra, Luciana Lyra, Rebeca Jamir, Jessé Scarpellini, Marcelo Boffat, Milton Filho, Pedro Arrais, Carol Costa, Badu Morais, Eduardo Leão e mais 5 músicos

Teatro do Sesi (Av. Paulista, 1313 – Jardins, São Paulo)

Duração 120 minutos

25/04 até 04/08

Quinta, Sexta e Sábado – 20h, Domingo – 19h

Grátis (Reservas antecipadas de ingressos online serão liberadas sempre às segundas-feiras, às 8h, para as apresentações da semana no site do meu sesi . Ingressos remanescentes e cota para público espontâneo são distribuídos 15 minutos antes, na bilheteria do teatro.