VILLA

A memória coletiva sobre a Ditadura Militar no Chile (1973-1990) é tema de Villa, do premiado dramaturgo e diretor chileno Guillermo Calderón, que estreou em 2018 no Sesc Pinheiros. A peça volta em cartaz para curtas temporadas no Espaço 28, entre 17 de agosto e 8 de setembro; e no Teatro Arthur Azevedo, de 13 de setembro a 6 de outubro. O espetáculo tem direção de Diego Moschkovich e elenco formado por Flávia Strongolli, Rita Pisano e Angela Ribeiro.

Na trama, três mulheres avaliam diferentes propostas sobre o que fazer com a Villa Grimaldi, um dos mais famosos centros de tortura e extermínio na ditadura do chileno Augusto Pinochet (1915-2006). Em torno de uma mesa, elas discutem dilemas atuais de organizações de direitos humanos e o presente dos espaços ligados à violência do Estado. Como explicar o horror do passado sem cair em uma produção de parque temático ou na fria reprodução de um museu de arte contemporânea?

O texto fala sobre os espaços de memória, aquilo que escolhemos como memória e o que aprendemos como memória coletiva de um povo; sobre como são feitas as edições que geram a História; e por quem a nossa história coletiva vem sendo construída, lembrada e contada.

Villa por Diego Moschkovich

“Villa” é um retorno meu à dramaturgia de Guillermo Calderón, cujos textos “Dezembro” e “Neva” montei em 2015 e 2016, respectivamente. O que acho interessante e muito particular da dramaturgia dele é que ela precisa de pouca coisa: os atores e apenas alguns elementos que potencializem o seu jogo em cena. Nesse sentido, trata-se do tipo de teatro de que gosto e acredito, ou seja, aquele em que o palco é um playground para os atores.

É certo que minhas últimas duas encenações (“O corpo que o rio levou” e “As três uiaras de SP city”, ambas de Ave Terrena Alves) eram bem diferentes. No trabalho com o grupo Laboratório de Técnica Dramática, a pesquisa de linguagem tem sido outra, a da montagem dos elementos para a narração. Em “Villa”, retorno ao trabalho da limpeza. Vemos uma mesa, três cadeiras, as atrizes e mais nada.

Há, no entanto, um dado diferente, trazido pela própria dramaturgia. Se em “Dezembro” e “Neva” a ficção é usada livremente para fazer alguns paralelos de reflexão histórica sobre a realidade latino-americana, aqui, a ficção é apenas o suporte do documento. Sim, todas as discussões trazidas pelas figuras em cena são reais e ocorreram mesmo. Nesse sentido, a encenação busca trabalhar, também, com documentos (reais e imaginados) que possam criar algumas camadas e ligações da peça com as lutas por memória, verdade e justiça.

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Villa

Com Flávia Strongolli, Rita Pisano e Angela Ribeiro

Duração 60 minutos

Classificação Livre

Espaço 28 (Rua Dr. Bacelar, 1219, Vila Clementino – São Paulo)

17/08 até 08/09 (exceto 07/09)

Sábado – 21h, Domingo – 20h

$30

 

Teatro Arthur Azevedo – Sala Multiuso – Av. Paes de Barros, 955 – Mooca

13/09 até 06/10

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 19h

$30

CANTOS DE COXIA E RIBALTA

Espetáculo indicado ao Prêmio Destaque Imprensa Digital 2018 (categoria Destaque Roteiro Original) e vencedor do Prêmio MP (Musical Popular) de Teatro Musical Independente 2019 (nas categorias Melhor Roteiro Original, Melhor Direção e Melhor Coreografia), “Cantos de Coxia e Ribalta” está de volta à São Paulo para curtíssima temporada: entre 26 de julho a 11 de agosto, às sextas e sábados (19h) e domingos (17h), no Teatro Arthur Azevedo, na Mooca. Os ingressos antecipados já estão à venda online, clicando aqui, ou acessando o site do espetáculo: www.cantosdecoxiaeribalta.com.br.

Musical 100% autoral e brasileiro, “Cantos de Coxia e Ribalta” foi criado por Alef Barros e Gustavo Dittrichi, a partir do estudo de três vertentes artísticas: os personagens-tipos da commedia dell’arte, os ritmos musicais brasileiros e o teatro narrativo brasileiro; combinando esta nova abordagem com a bagagem de pesquisa cênica que a Cia. Lusco-Fusco já carrega; teatro e música (ou teatro musical).

Tanto o texto quanto as músicas são originais. O argumento (escrito por Gustavo Dittrichi) buscou livre inspiração na obra de Luis Alberto de Abreu; em especial no texto “O Auto da Paixão e da Alegria”. A linguagem cênica tem inspiração no musical “Godspell“, de Stephen Schwartz e John-Michael Tebelak. Já a música (escrita por Alef Barros) buscou referências na obra musical de Chico Buarque; nas composições de Baden Powell com Toquinho, em especial nos seus estudos e releituras dos cantos de terreiro e umbanda; e na bossa-nova em geral. Os arranjos musicais e composições gerais são de Dario Ricco, Hiago Guirra e Marco De Laet; e os arranjos vocais são de Joyce Roldan. A concepção cênica e estética é de Gustavo Dittrichi.

Sinopse do espetáculo

Sob os sussurros da coxia e as luzes de ribalta, um grupo de atores se reúne para contar uma história. Entre o corre-vida e as chegadas e partidas dos trilhos de uma estação de trem, o público é apresentado a uma trupe de teatro em crise financeira, que corre o risco de ter seu teatro tomado por conta da especulação imobiliária. Um Poeta então é encarregado de criar uma grande obra teatral a fim de trazer de volta aos artistas os tempos áureos: é a última chance do Teatro sobreviver.

Neste cenário, personagens tipificados, inspirados pelos tipos commedia dell’arte – o Dono da Cia., um Poeta, um Músico, uma Primadonna, um Jovem Ator sonhador e uma linda e ambiciosa Jovem Atriz – passam a viver seus próprios conflitos, que misturam-se com a própria história da peça que estão montando.

Enquanto tentam contar a história, a realidade mistura-se com a ficção até que se tornem uma coisa só. A abordagem poética da paixão, da desilusão, da entrega, da inveja e competição, da morte e, sobretudo, da sensação de estar sempre tentando permanecer “de pé” e superar os obstáculos impostos pelo destino – sensação tão comum ao Teatro e também à vida cotidiana – são os ingredientes para mover o espetáculo.

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Cantos de Coxia e Ribalta

Com  Gustavo Dittrichi, Beatriz Belintani, Joyce Roldan e Laís Helena, Marco De Laet, Carol Silveira, Igor Patrocínio, Nina Vettá, Rodolfo Mozer, Renan Lucena, Isabella Costa, André Costa, Rodrigo Ruffeil, Beatriz Poza, Belle Sena

Teatro Arthur Azevedo (Av. Paes de Barros, 955 – Mooca, São Paulo)

26/07 até 11/08

Sexta e Sábado – 19h, Domingo – 17h

$34

Classificação 12 anos

AI-5: UMA RECONSTITUIÇÃO CÊNICA

No dia 14 de junho (sexta), às 21h, o espetáculo de teatro documentário AI-5: Uma Reconstituição Cênica, estreia nova temporada no teatro Arthur Azevedo, na Mooca, região leste da capital paulista. Com sessões sextas e sábados, às 21h, e domingos, às 19h, até 14 de julho, o projeto segue em cartaz há três anos pelo Coletivo Ato de Resistência – A política em cena.

A dramaturgia nasce a partir da gravação disponibilizada pela Comissão da Verdade, de uma reunião que ocorreu em 13 de dezembro de 1968, em que o Conselho de Segurança Nacional se reúne com o então presidente General Arthur da Costa e Silva para votar a aprovação da proposta de Ato Institucional número 5. Sua aprovação deu início à fase mais sangrenta do regime ditatorial civil-militar brasileiro, deixando feridas abertas na política e também vida pública até os dias de hoje. O objetivo do espetáculo é manter viva e ativa a lembrança e a denúncia do período histórico da ditadura civil-militar em nosso país, e dos crimes cometidos pelo terrorismo de Estado.

Com concepção de Paulo Maeda e, neste ciclo, com direção coletiva de Leticia Negretti, Rafael Castro, Rodolfo Morais e Renato Mendes, o ensejo da peça não é apenas o retrato de uma ocorrência no período da ditadura brasileira, mas remete, em paralelo, a atualidade do inexplicável efeito saudosista que o autoritarismo causa em grande parte da sociedade, não apenas do Brasil, mas em grande parte do mundo.

É também a partir dos acontecimentos contemporâneos na política brasileira, que a peça incorpora performaticamente acontecimentos e polêmicas declarações – com ocorrência quase diária – que causam escândalo na imprensa e nas redes sociais.

O espetáculo nasceu a partir da leitura do livro ‘A ditadura envergonhada’, de Elio Gaspari. Enquanto lia um capítulo específico chamado ‘A missa negra’, percebi que ele citava muitas frases prontas dos ministros que estavam na reunião do dia 13 de dezembro e fiquei curioso para ter também acesso a isso. Foi quando descobri a ata e os áudios. Em 2016, estávamos vivendo um momento que era muito duro com o golpe da então presidente democraticamente eleita e eu vi que os discursos feitos para tirá-la do poder eram muito parecidos com os de 1968. E dessa proximidade, eu pensei em fazer uma reprodução daquele momento com 20 atores brancos em cena, mostrando a ostensividade desse conservadorismo”, afirma o diretor Paulo Maeda.

Segundo a nova direção desse ciclo de apresentações: “No ano de 2019, em que grupos saudosistas e apoiadores da ideia da ditadura civil-militar brasileira, se manifestam abertamente em vias públicas e mesmo em cargos de poder, entendemos como urgente retomar e manter em circulação nosso espetáculo. Sem perder o caráter documental, mas acrescentando elementos de revista, nossa versão atual mantém-se viva e em princípio de work-in-progress, radicalizando o jogo entre os atores que compõem a mesa e os diálogos com a situação atual. Mostramos assim que a história não é linear, que não há acontecidos deixados para trás, mas ecos, que habitam nossa estética e nossa ética, no palco e nas ruas.”, conclui o diretor.

Sinopse Numa estética documental, reconstituímos a noite de 13 de dezembro de 1968, em que o Conselho de Segurança Nacional se reúne com o presidente Gal. Arthur da Costa e Silva para votar a aprovação da proposta de Ato Institucional número 5. Sua já antecipada aprovação dará início à fase mais sangrenta do regime ditatorial civil-militar brasileiro, deixando feridas abertas que podem ser sentidas e vistas em nossas política e vida pública ainda hoje. O espetáculo se utiliza das gravações originais das falas dos ministros presentes, bem como traça paralelos contundentes com a contemporaneidade.

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AI-5: Uma Reconstituição Cênica

Com Alexander Vestri, André Hendges, André Castelani, André Pastore, Caio Marinho, Cristiano Alfer, Dagoberto Macedo, Danilo Minharro, Fernando Pernambuco, Gero Santana, Guilherme Conradi, Leticia Negretti, Lucas Scandurra, Luiz Campos, Mario Spatizziani, Michel Galiotto, Pedro Felício, Pedro Stempniewski, Rafael Castro, Ramon Gustaff, Renato Mendes, Ricardo Socalschi, Roberto Borenstein, Roberto Mello, Rodolfo Morais, Rodrigo Marques, Thalles Alves, Thiago Marques e Wilson Saraiva

Teatro Arthur Azevedo (Av. Paes de Barros, 955 – Mooca, São Paulo)

Duração 120 minutos

14/06 até 14/07

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 19h

$30

Classificação 14 anos

PALAVRA DE STELA

Estrelado pela veterana Cleide Queiroz, o solo Palavra de Stela, com direção e dramaturgia de Elias Andreato, ganha uma nova temporada gratuita no Teatro Municipal da Mooca Arthur Azevedo, entre 22 de fevereiro e 24 de março, com sessões às sextas e aos sábados, às 21h, e aos domingos, às 19h. A peça estreou em 2017, ocasião em que a atriz completou seus 50 anos de carreira no teatro, na televisão e no cinema.

Nascida em 1941, Stela do Patrocínio foi internada no Centro Psiquiátrico Pedro II aos 21 anos, quando diagnosticada como psicopata e esquizofrênica. Quatro anos depois, foi transferida para a Colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá, onde permaneceu até sua morte em 1992. Durante seus anos de isolamento, Stela desenvolveu um discurso poético. Seu “falatório”, carregado de angústias, retrata a rotina manicomial e, sobretudo, revela sua visão da vida, do mundo e de si mesma.

No espetáculo a personagem narra sua trajetória, expõe seu cotidiano e revela seu olhar de perplexidade diante da vida e dos seres humanos. Andreato escreveu o texto especialmente para Cleide Queiroz. A atriz traz uma relação muito pessoal com a temática proposta, pois é uma mulher negra que durante sua adolescência conviveu com a internação de sua mãe esquizofrênica.

Por meio da fala de Stela do Patrocínio, pretendemos levar o espectador a uma reflexão acerca da visão que temos sobre loucura e lucidez, bem como chamar sua atenção para como a sociedade enxerga a diferença e lida com o outro”, diz Elias Andreato.

A criação do espetáculo tomou por base o registro em áudio da obra de Stela do Patrocínio realizado na década de 1980 pelas artistas plásticas Neli Gutmacher e Carla Guagliardi, posteriormente, transcrito e organizado por Viviane Mosé no livro “Reino dos bichos e dos animais é o meu nome”.

Este projeto foi contemplado pela 8ª Edição do Prêmio Zé Renato de Teatro para a cidade de São Paulo – Secretaria Municipal de Cultura.

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Palavra de Stela

Com Cleide Queiroz

Teatro Municipal da Mooca Arthur Azevedo – Sala Multiuso (Avenida Paes de Barros, 955 – Mooca, São Paulo)

Duração 60 minutos

22/02 até 24/03

Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 19h

Entrada gratuita (distribuído uma hora antes do espetáculo)

Classificação 14 anos

FLICTS

Em uma época em que preconceitos de todos os gêneros estão cada vez mais gritantes, o espetáculo Flicts, com direção e adaptação de Lívia Gaudencio, ensina para a criançada a importância de respeitar e aceitar o outro como ele é. A peça reestreia no Teatro Municipal da Moóca Arthur Azevedo, no dia 9 de junho.

A partir do primeiro livro infantil escrito pelo cartunista Ziraldo, a montagem narra o drama de uma cor chamada Flicts, que não está presente no arco-íris, nas bandeiras e nem em nada deste mundo. Por esse motivo, o personagem é excluído e mal recebido onde quer que vá e parte em uma jornada mundo afora para descobrir o seu lugar.

Flicts é uma metáfora para as pessoas excluídas, solitárias e diferentes. A ideia da encenação é mostrar para os pequenos que o bullying e toda forma de discriminação devem ser tratados como algo nocivo e desrespeitoso, além de reforçar a noção de que cada um tem sua individualidade e subjetividade. Outro tema é a relativização do belo, a noção de que a beleza não tem um padrão pré-determinado e cada um deve desenvolver seu pensamento crítico sobre o que é bonito ou não.

Escrita em 1969, ano em que o homem pisou pela primeira vez na Lua, a obra de Ziraldo foi dada como presente da embaixada brasileira nos Estados Unidos ao astronauta Neil Armstrong, que, em resposta ao autor, disse: “A Lua é Flicts”. A temática do livro que encantou o viajante espacial continua atual quase 50 anos depois de seu lançamento, por isso o grupo resolveu encená-lo.

O elenco conta com a participação de Bárbara Salomé, Bianca Fernandes, Ederson Miranda, Eliot Tosta e Rai Teichimam.

Como a história se passa nos anos de 1960, a montagem tem uma trilha sonora original, composta por Leo Mendonza, inspirada na sonoridade da banda inglesa The Beatles.

Já os figurinos, assinados por Paolo Suhadolnik, dialogam com as cores e formas geométricas presentes nas obras do pintor holandês Piet Mondrian. O trabalho com os atores, proposto por Gaudencio, é baseado em partituras físicas inspiradas no circo-teatro e no melodrama, utilizando vários registros de energia do corpo em cena.

SINOPSE

Flicts é discriminado entre as outras cores porque ninguém o conhece. Ele representa o excluído, o solitário, o diferente. Mas, como todos têm o seu lugar no mundo, Flicts também irá encontrar o seu. A peça é uma adaptação da obra de Ziraldo, com dramaturgia inédita e trilha sonora original. O espetáculo traz diversão, interação e reflexão sobre o preconceito e a relativização do belo.

HISTÓRICO

O espetáculo Flicts estreou em São Paulo em março de 2018 cumprindo 10 apresentações, no Teatro Paulo Eiró, e já realizou apresentações em Feira de Santana/BA, Belo Horizonte/MG, Contagem/MG e João Monlevade/MG.

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Flicts
Com Bárbara Salomé, Bianca Fernandes, Ederson Miranda, Eliot Tosta e Rai Teichimam
Teatro Municipal da Moóca Arthur Azevedo (Av. Paes de Barros, 955 – Moóca, São Paulo)
Duração 55 minutos
09/06 até 01/07 (exceto dia 17/06)
Sábado e Domingo – 16h
$16
Classificação 4 anos

FOREVER YOUNG

Com grande sucesso de público, indicado aos principais prêmios em 2017, a comédia musical Forever Young retrata de forma bonita, poética e bem-humorada, a terceira idade. O espetáculo chega ao Teatro Municipal Da Mooca Arthur Azevedo com sessões sexta e sábado, às 21h, domingo, às 19h, de 3 a 26 de novembro. A nova temporada traz a entrada de Nany People no elenco, que também conta com Saulo Vasconcelos, Fred Silveira, Paula Capovilla, Naima Marcos Lanza.

Com grande sucesso de público, o espetáculo musical Forever Young do aclamado espetáculo Forever Young do suíço Erik Gedeon, estreou em agosto de 2016, no Teatro Raul Cortez em São Paulo, realizou temporada em 2017 no Rio de Janeiro e passou por mais oito capitais brasileiras, com grandes hits mundiais da música pop e rock’n’roll. O espetáculo foi indicado aos maiores prêmios de teatro musical como Prêmio Bibi Ferreira, Prêmio Reverência, e entre outros.

De forma bonita, poética e bem-humorada, o musical Forever Young aborda seis grandes atores que representam a si mesmos no futuro, quase centenários. Apesar das dificuldades eles continuam cantando, se divertindo e amando. Tudo acontece no palco de um teatro, que foi transformado em retiro para artistas, sempre sob a supervisão de uma enfermeira. Quando ela se ausenta, os simpáticos senhores se transformam e revelam suas verdadeiras personalidades através do bom e velho rock’n’roll e mostram que o sonho ainda não acabou e que eles são eternamente jovens.   A comédia musical consegue relatar não apenas o problema da exclusão social na “melhor idade”, mas também aborda questões sobre a velhice com muito humor e músicas que marcaram várias gerações.

Forever Young é uma grande homenagem a todos os artistas que trouxeram tanta magia para as pessoas. E, principalmente, passa a mensagem que ser jovem é algo eterno, que a vida não para, apenas muda-se a frequência das ações.

Os hits são sucessos do rock/pop mundial de diversos anos, passando pelas décadas de 50, 60, 70, 80 até chegar aos anos 90. Músicas que são verdadeiros hinos como “I Love Rock and Roll”, “Smells Like a Teen Spirit”, “I Wil Survive”, “I Got You Babe”, “Roxanne”, “Rehab”, “Satisfaction”, “Sweet Dreams”, “Music”, “San Francisco”, “California Dreamin”, “Let It Be”, “Imagine”, e a emblemática “Forever Young”. Já o repertório nacional conta com canções como “Eu nasci há 10 mil anos atrás” de Raul Seixas, “Do Leme ao Pontal” de Tim Maia e “Valsinha” de Chico Buarque.

Quem assina a direção é Jarbas Homem de Mello, tradução e adaptação de Henrique Benjamin, direção musical de Miguel Briamonte (piano ao vivo) e elenco composto pelos atores Saulo Vasconcelos, Fred Silveira, Paula Capovilla, Naima, Marcos Lanza e Nany People. (Participação especial da Fafy Siqueira, substituindo a Nany, nos dias 03/11 e 17/11).

Abaixo, uma matéria que fizemos sobre os bastidores do espetáculo, na temporada no Teatro Nair Bello.

Forever Young
Com Nany People, Saulo Vasconcelos, Fred Silveira, Paula Capovilla, Marcos Lanza, Naima. Piano: Miguel Briamonte
Teatro Municipal Da Mooca Arthur Azevedo (Av. Paes de Barros, 955 – Mooca, São Paulo)
Duração 100 minutos
03 a 26/11
Sexta e Sábado – 21h, Domingo – 19h
$30
Classificação 10 anos

OS SERVOS DE PAN

Os Servos de PAN é um espetáculo da Cia Terranova,  destinado a toda a família, que promove a parceria entre Euritmia, Teatro, Bonecos, Literatura e Música ao vivo (canto, piano, flauta e percussão), com 24 artistas em cena. Destaque para Euritmista Loreto Suárez*, formada pela Escola de Euritmia de Santiago do Chile, que faz participação especial nesta temporada e está em residência artística no Brasil. A direção é de Marília Barreto, coreógrafa e Euritmista formada pela Escola Superior Hogeschool Helikon em Haia/ Holanda, onde integrou o Nederlands Eurythmie Ensemble, antes de seu retorno ao Brasil em 1988.

O espetáculo já esteve em turnê pela Europa em 2016 e se prepara para nova temporada internacional em 2018. De 11 a 26 de novembro ele estará em cartaz em São Paulo, no Teatro Arthur Azevedo, com sessões aos sábados e domingos, às 16h.

Dinâmico e lúdico, inovador e profundo, o espetáculo Os Servos de Pan nos leva da turbulência à contemplação, através do intrigante deus Pan, com seus faunos bufanescos. E seus servos mais sutis – as ondinas das águas, os gnomos das cavernas, os silfos do ar, as fogosas salamandras… – quem serão eles? Onde se inserem? Será mera fantasia, alienante, ultrapassada? Ou serão entidades, potências atuantes no devir das coisas?

O Mito e os Contos de Fadas compõem, junto a outras fontes e narrativas, as “eternas histórias de antigamente”… que encerram os pequenos e grandes arquétipos curadores, conhecidos desde tempos imemoriais como fontes fortalecedoras da psique, atuantes no inconsciente da humanidade. 

Em Os Servos de Pan esses seres ganham ainda mais expressão, através da pesquisa do filósofo e cientista Rudolf Steiner acerca de tais entidades, que a Cia Terranova apresenta de forma arquetípica e inovadora, evitando clichês e caricaturas.

Os Servos de PAN
Com Ana Ghirello, Ana Paula Nigro, Anna Teresa Marsilio, Andréa Ikeda, Bruna Munhoz, Bárbara Salomé, Clarissa Mattoso, Denise Seignemartin, Eduardo Elias Gotlib, Evas Carretero, Fernando Aveiro, Guilad Haim,Isabela Leibl, José Sampaio, Julia Hebbel, Lilian Soarez, Loreto Suárez, Marília Barreto, Marília Duarte, Murilo Inforsato, Nadia Muradi.
Teatro Arthur Azervedo (Av. Paes de Barros, 955 – Mooca, São Paulo)
Duração 70 minutos
11 a 26/11
Sábado e Domingo – 16h
$16
Classificação Livre